どうやら、50歳を越えて更に忙しくなりそう！

　先に言っておきますが、今回は“お茶濁し”です。コンテチェック（修正）と打ち合わせで本日、またバッタバタ！　でも、この歳で３本も４本も仕事を頂けるのはとても有難いこと。50代もアニメ作りを堪能できそうで、わくわくが止まりません。

　え？　今のアニメ業界に対する不満？

「ない」と言えば噓になるけど、人生後半ともなると「作品作り」と「業界改変」両方は達成できないし、「～改変」の方は若い後輩たちや仕事に隙間のある方々にお任せします。

自分は作品を作りつつ、せいぜい「身の丈に合った会社作り」くらいが丁度いい！　詳しくは次回！

てとこで、今回のお茶濁し終わり。仕事に戻ります。

　腹巻猫です。ＴＶアニメ『ガールズバンドクライ』の劇伴を収録したサウンドトラック・アルバムが９月11日にリリースされました。放送終了から３ヶ月近く経ってからのリリース。「もう出ないのかな」と思っていたのでよかった！　本作を観た人の多くはライブシーンで演奏される曲に関心を持つと思いますが、劇伴もあなどれません。今回は前回に続いてバンドアニメの音楽を取り上げます。

　『ガールズバンドクライ』は2024年４月から６月まで放送されたＴＶアニメ。シリーズディレクター・酒井和男、シリーズ構成＆脚本・花田十輝、アニメーション制作・東映アニメーションによるオリジナル作品である。
　親や学校とそりがあわず、高校を中退して上京した井芹仁菜は、あこがれていたバンドのギタリスト兼ボーカル・河原木桃香と出会う。仁菜は桃香に誘われてバンドを組むことになり、ドラム担当の安和すばると３人で活動を開始した。そこに２人組で活動していた海老塚智（キーボード）とルパ（ベース）が加わり、５人組バンド「トゲナシトゲアリ」が結成された。それぞれに心の傷や複雑な事情を抱えた５人は、音楽活動を通して関係を深め、自身の抱える問題に向き合っていく。そんな仁菜たちに、桃香がかつて参加していた人気ガールズバンド・ダイヤモンドダストが、あるライブへの出演を持ちかけてきた。
　ロボットアニメに王道があるように、ロックバンドアニメに王道があるとしたら、これこそ（筆者が考える）王道。それぞれに屈折した想いを抱えた若者が音楽を軸に集まり、言葉にできない気持ちを曲にして、世間にぶつけていく。家族や仲間との確執、挫折、暴走、後悔、反骨、野心……。青春ドラマ的なエピソードが、深刻になりすぎず、さらっと軽快に語られるのがいい。
　本作では、いくつか斬新な試みがされている。バンドメンバーを演じるのが声優ではなく、先行して結成されたバンドのメンバーであること。全編がイラストルックのＣＧアニメで制作されていること。が、それらについては本稿では触れない。ここで語りたいのは音楽、それも劇伴のほうである。

　バンドアニメらしく、本編の見せ場となるのはライブシーンだ。劇中でトゲナシトゲアリが演奏する曲はどれも勢いのあるロックナンバーで、本編のドラマとリンクして胸に刺さる。トゲナシトゲアリの曲について語りたい人は多いだろう。
　いっぽう劇中に流れる音楽（劇伴）を気にしている人は少ないのではないか。流れているけれども意識されない。それが劇伴の宿命である。けれど、じっくりと耳を傾けてみると、本作の劇伴はライブシーンで流れる曲と同じくらい心に残る。
　本作の音楽プロデューサーは玉井健二。劇伴音楽のプロデュースは田中ユウスケが担当。実際の劇伴制作には、田中ユウスケをはじめ、玉井健二が代表を務めるagehasprings所属の複数の音楽家が参加している。下記のページに楽曲ごとのクレジットが掲載されているので、参考にしていただきたい。
https://news.agehasprings.com/news/4599/

　本作のように音楽をテーマにした映像作品の場合、劇中で演奏される現実音としての音楽と、背景音楽（劇伴）をどう差別化するかが課題になる。たとえばピアニストが主人公の作品であれば、劇伴にピアノを使うと、それが劇中で現実に流れている音なのか、そうではない背景音楽なのかを視聴者が区別できず、混乱を招くことがある。だから、できるだけピアノを使わずに劇伴を作曲するという方法もあるし、逆にあえてピアノを使って劇中の現実音楽とリンクさせるという方法もある。
　『ガールズバンドクライ』の場合は後者である。劇伴の大半がギター、エレキベース、キーボード、ドラムをメインにしたバンドサウンドで作られている。ギターのみ、キーボード（ピアノ）のみ、ギターとドラムのみ、といったシンプルなサウンドの曲も多い。「なんとなく楽器を触っているうちにできちゃった」みたいな曲もある。しっかり作りこんだ音楽ではなく、スタジオでセッションしながら作り上げたような音楽だ（あくまでそういう印象を受けるということで、実際にそうだったかどうかはわからない）。
　おそらく、バンドサウンドの劇伴で日常を彩る、というのが本作のねらいなのだろう。その作りこまれてない感じ、仁菜たちのバンド活動と地続きの音楽が日常に流れている感じが、本作の世界観になっている。いつも音楽とともにある。いつもロックとともにある。仁菜たちのそんな日常を彩る音楽は、バンドサウンドでなければいけないのだ。
　本作のサウンドトラック・アルバムは、2024年９月11日に「ＴＶアニメ『ガールズバンドクライ』オリジナルサウンドトラック」のタイトルで、ユニバーサルミュージックから発売された。ＣＤ２枚組。収録曲は下記ページを参照。
https://girls-band-cry.com/goods/post-43.html

　なんと全73曲。１クールのアニメにしては多いのではないか、というのが筆者の第一印象だった。劇伴だけでなく劇中で流れた挿入歌（ライブバージョン）も入っているのだが、それにしても多い。
　聴いてみて、曲数が多い理由はわかった。劇伴として使用された曲だけでなく、現実音楽として流れた曲や未使用曲まで入っているのだ。
　全体の構成は、ディスク１の全45曲とディスク２のトラック１〜21が主題歌を含む本編使用曲。ディスク２のトラック22〜28が未使用曲である。
　曲順は、ほぼ劇中で流れた順。ライブシーンの演奏曲などを挟んで、全13話のストーリーをふり返る構成になっている。よく考えられた、いい構成だ。
　本作の音楽全体はフィルムスコアリングではないが、特定の場面を想定して作られたと思われる曲もたくさんある。１回しか使われていない曲も多い。フィルムスコアリングのような映像と音楽の一体感をねらったというより、ある種のライブ感をねらった演出ではないだろうか。そのとき、その場の雰囲気に合わせ、即興で生まれた音楽のような印象を受けるのだ。劇伴にバンドサウンドを使った効果のひとつである。
　印象的な曲をいくつか紹介しよう。
　まずディスク１から。１曲目「十七歳三月」は第１話の冒頭（２曲目に）流れる曲。ピアノの演奏が仁菜の屈折した心情を表現する。第２話では桃香とすばるが仁菜をバンドに誘う場面に流れ、第13話では仁菜がバンドの演奏前に自分語りを始める場面に流れていた。劇伴における本作のメインテーマ、あるいは「仁菜のテーマ」ともいえる曲である。
　トラック６「おしんこ」は使用頻度の高い日常曲。仁菜たちのちょっとユーモラスなシーンによく使われている。
　トラック８「雨と疾走とマニフェスト」は第１話で仁菜が桃香を追いかけて雨の街を走る場面に使用。ギターやドラムが生み出す疾走感が仁菜の心情とリンクする。第10話で実家に帰っていた仁菜がふたたび旅立つ場面、第13話で仁菜たちがダイヤモンドダストからの共演の申し出を断ることを決める場面にも流れていた。「決意のテーマ」とでも名づけたい曲である。
　トラック10「袋小路　-fukurokoji-」は代表的なコミカル曲。エレキギターの音色だけで笑わせる。コミカルな曲では、とぼけたギターサウンドによる「ごきげんよう（ニセモノ）」（トラック21）やファンキーな「嘘とconfuse」（トラック29）、ブルージーなハーモニカの曲「二枚舌（Nimaijita）」（トラック36）、ライバル登場！　みたいなロック「SHAZAI（謝）」（トラック39）なども耳に残る。
　トラック22「みんなでひとつのものを」はタイトルどおり、仁菜たちの友情、絆を表現する曲。その絆が永遠に続く保証はないが、それだけに尊い。ピアノの演奏に、逆再生したピアノの演奏を重ねて、時間がたゆたうようなユニークなサウンドを生み出している。
　トラック42「たぶん気分（ねぎぬき）」はギターとピアノをメインにした心情曲。第６話でルパが牛丼屋で仁菜とすばるに名刺を渡す場面、第８話で仁菜が父からの援助を断ろうと決心する場面、第10話でルパが仁菜に熊本行きの切符を渡す場面、第12話で仁菜がダイヤモンドダストと勝負したいと主張する場面など、印象的な場面で使われた。しだいに軽快になっていく曲調が動き始めた感情を描写している。
　次の「アンダー・ザ・オニオンズ」（トラック43）は、第６話で仁菜たちが夜中に武道館を見に行く場面に流れた、ギターとピアノによるリリカルな曲。「オニオンズ」は武道館のことをさしているのだろう（気になる方は「武道館　玉ねぎ」で検索してください）。
　ディスク１の最後に置かれた「桃香と桃香」（トラック45）は、桃香と仁菜の場面にたびたび使われたギターによる心情曲。第１話で仁菜と桃香が歩道橋の上で話す場面、第４話で仁菜が桃香からダイヤモンドダストとの確執を聞く場面などに流れている。タイトルが「桃香と仁菜」ではなく「桃香と桃香」となっていることから、桃香の葛藤にフォーカスした曲であることがうかがえる。仁菜がもうひとりの桃香であるという含みもありそうだ。

　続いてディスク２から。
　トラック１「決意表明（長野の諏訪）」は第７話で一度だけ使われた曲。ディスク１に収録された「雨と疾走とマニフェスト」と並んで、疾走感と躍動感が心地よいナンバーだ。ライブに参加を決めた仁菜たちの意気込みが伝わってくる。
　次のトラック２「過去と過去と過去」とトラック７「見えざる手」はピアノが奏でるメランコリックな心情曲。仁菜たちの過去や葛藤を描写する曲である。第７話以降はメンバーの過去に焦点をあてたエピソードが多く、こうした曲の出番が多くなった。
　トラック８「まもるべきもの」はオープニング主題歌「雑踏、僕らの街」のピアノによるアレンジ曲。ディスク１に収録された「雑踏、僕らの街（彷徨う）」も同曲のギターによるアレンジだったが、使用頻度は「まもるべきもの」のほうが高い。第７話以降、仁菜や桃香の想いを表現する曲として毎回のように使用された。
　エフェクターを効かせたギターが奏でるトラック９「宣戦布告」は、第８話で仁菜と桃香がダイヤモンドダストに宣戦布告する場面での使用が印象的。ほかにも、仁菜たちが対抗心を燃やす場面や一歩踏みだそうとする場面などに使われている。本作らしいロックチューンだ。
　次の「家族の肖像」（トラック10）は、第10話の仁菜が実家に戻るエピソードで１回だけ使用。その次の「ただいま、おかえり。」（トラック11）は戻って来た仁菜を桃香たちが迎える場面に流れた、ぐっとくるバンドサウンドの曲である。
　もやもやする気持ちやいらだちを表現する「美人投票」（トラック18）を経て、ＢＧＭパートの実質的な最後の曲となるのが「野菜の甘味。」（トラック19）。ギターとキーボード、ベース、ドラム、ハンドクラップ、それに、ぬくもりのあるトランペット（？）のアンサンブルで演奏される、ほのぼのとした情感をかもしだす曲だ。特にドラマティックではないけれど、仁菜たちがふと本心をもらす場面、胸に秘めた気持ちがあらわになる場面などに使われた。第２話で仁菜と桃香が河原で別れる場面、第11話ですばるが祖母に本当の気持ちを伝えたと仁菜に話す場面、第13話で仁菜が牛丼屋の前で仲間たちに「誓いを立てませんか」と言い出す場面などが思い出される。
　いわゆる「劇伴」だけでなく、現実音楽として流れた曲も紹介しておこう。
　いずれもディスク１から。トラック４「丸福珈琲店（焙煎）」は第１話で仁菜が入る喫茶店のＢＧＭ。トラック14「バンドをやって（た）ともだち」とトラック15「フェスで人気でそうなバンドの曲」は、第２話で仁菜たちが入る飲食店「鍋ぞう」のＢＧＭ。トラック40「フカフカソファーの喫茶店」も第４話で使われた喫茶店のＢＧＭである。
　第３話では現実音楽が多く使用されている。トラック18「鳩のアレ」は仁菜がスマホアプリで奏でるリズムと鳩の声。仁菜が自習しながらイヤフォンで聴いている曲がトラック20「Coco dos Sonhos」。カラオケルームで仁菜が発声練習する「あーあーあーあーあー」（トラック25）やライブステージに仁菜を呼び込みながら桃香がギターで奏でる「endless 9th」（トラック26）など、バンド経験者だったら「あるある」と思う音も収録されている。こうした、ふつうのサントラならオミットされるような曲も収録されているのが本アルバムのうれしいところだ。

　本アルバムには収録されていないが、仁菜が河原や部屋で弾く、曲になっていないようなギターの演奏も現実音楽の一種である。「いや、それは効果音の範疇だろう」とふつうのアニメだったら思うところだが、本作では違う。本作ではキャラクターが日常的に演奏している楽器の音も、心情や雰囲気を描写する劇伴として機能しているからだ。
　そう考えると、本作の劇伴がバンドスタイルで作られている理由が、さらに明確になる。仁菜たちは息をするように仲間たちと楽器を奏で、心の中にはいつもバンドサウンドが流れている。本作の劇伴は仁菜たちの心が奏でている音楽なのである。

ＴＶアニメ『ガールズバンドクライ』オリジナルサウンドトラック
Amazon

『沖ツラ』は指導しながら作っている作品です！　いつも以上に！

　現在制作中の『沖ツラ（沖縄で好きになった子が方言すぎてツラすぎる）』は社内スタッフ全員に教えながら作っています。それはもう、いつも以上に、脚本から始まって監督・コンテ・演出・作画・美術と、前作以上の“総監督”業をしています。で、今がオープニング制作中。スケジュールの都合上、レイアウトは全部俺のほうで描いて、それを基にメインの作画スタッフ相手に原画の発注、その上りを指導しつつ修正。もちろん、本当は各自レイアウトから描いた方が勉強になるのは承知してますが、先輩として“レイアウトの見本”を見せるのも必要なことです。いや、自分で描かずにただ文句を言ってるだけではモノは教えられません（断言）！　特に今は……。
　前回も話題したデジタルネイティブな世代の若者は、

自分たち年配のアニメーターが得意気に教える“人間の歩き・走り”に限らず“動物の～”それや、“爆発やその他のエフェクト作画”も全てスマホを擦れば参考が出てくることを知っています！

故に、会社で偉そうなだけの先輩に頭を下げて教えてもらわなくても、要領の良い新人はそれ見て何でも描いてきます。
　ところで、スマホ擦れば～の世代に向けて、世の“アニメ教室”的な講座的なところ、一体何を教えているのでしょうか？　そして、スマホ擦れば即出てくる内容をなぜ有料で習おうとするのでしょうか？　茶化しでもなんでもなく真面目に、どなたか板垣に教えていただけないでしょうか？
　話を戻して、だからこそ自分は常に何時も「俺ら先輩が教えられることは何だろうか？」と自問しているのです。そして、現時点での俺の答えは、

テクニカル云々より、なりふり構わず真剣に仕事に取り組む姿勢をこそ後輩に見せるべき！

かと思っています。それは、毎日ちゃんと皆と同じ朝11時までに会社に入ってタイムカードを押し、時間内はサボらず仕事して、定時でタイムカードを押して帰る～これ、テレコム（・アニメーションフィルム）時代から板垣は得意だったこと（何せテレコムの６年10ヶ月間で遅刻１回他無欠勤）。フリーを長くやって自由な時間間隔で過ごしたとて、決して自堕落な生活に染まりません！　自分で決めた時間は守る。あ、「皆、タイムカード押そう」は俺から言い出したことですから。あと、「監督だから偉い」～「偉いから特別扱い」など、偉いも特別扱いも不要！
　まず、これからの世に合った“ワークスタイルの見本”を、他のスタッフと同じ地平に立って実行してこそ仕事を教えれるし、教えられる側も言い訳できないハズ。技術指導はその上での話だと思っています。

　では、育成に戻ります。

　前回までで、アニメ『タイガーマスク』について書いておきたかったことは一通り書いた。
　『タイガーマスク』の作画や演出、あるいは個々のエピソードについて語りたいポイントはまだあるが、「これだけは書いておかなくては」と思ったことについては書くことができた。原稿としては粗いところもあるし、時間をかければもっとまとまりのよいものにできたと思うが、「もっといい原稿を」と思っていたら、書き上げることができなかっただろう。今の自分にとってはこれが精一杯だ。
　今回は作品内のことではなく、作品外のことについて触れて、このコラムの最終回としたい。
　このコラムの第1回で「『タイガーマスク』はあまりにも語られる機会が少ない」と書いた。放映当時に大変な人気番組であったのにも関わらず、『タイガーマスク』は同時期の他の人気作品と比べても語られていない。語られていない理由はいくつあるはずだが、理由のひとつとして「作品として反芻されていない」が挙げられるはすだ。ファンが作品を観返して、改めて感慨を覚えたり、ドラマを味わったりといったことが、あまり行われていないということだ。反芻されていない理由もいくつかあるはずだが、その理由のひとつについて書く。
　以下は僕個人の考えである。この文章はコラムであるのだから、書くことが筆者の考えであるのは当たり前のことであるのだが、念のために断っておく。だから「その考えは違っているぞ」と言う人がいても構わない。
　さて、本題だ。
　『タイガーマスク』がその後に反芻されなかった理由がいくつかあり、その中のひとつが「『仮面ライダー』の人気に喰われた」であると思う。「仮面ライダー」の作り手は、作品の企画時に『タイガーマスク』を参考にしている。気になる方はWikipediaの「仮面ライダー」のページや関連書籍を読んでもらいたい。
　どこからどこまでが企画段階で参考にしたことが反映されているのかを僕は把握していないが、確かに『タイガーマスク』と「仮面ライダー」は類似点が多い。どちらの作品も、主人公は現代で活躍する仮面のヒーローである。主人公は悪の組織(『タイガーマスク』では虎の穴であり、「仮面ライダー」ではショッカー)によって強い力を与えられており、そして、その組織を裏切り、組織が送り込んできた刺客(『タイガーマスク』では覆面レスラー、「仮面ライダー」では怪人)と戦うことになる。さらに言うと、どちらも音楽は菊池俊輔。これを類似点として挙げるのは強引だが、念のために記しておくと『タイガーマスク』のヒロインの名前は若月ルリ子であり、「仮面ライダー」の初代ヒロインの名前は緑川ルリ子。つまり、どちらもルリ子だ。他にも類似点はいくつもある。
　『タイガーマスク』と「仮面ライダー」は類似点が多く、そして、子供向けのヒーロー番組としては「仮面ライダー」に軍配が上がる点がいくつもあった。そのひとつが覆面レスラーと怪人の扱いの違いである。『タイガーマスク』の魅力として、奇怪な覆面レスラーの存在が、そして、タイガーマスクと彼等の戦いが挙げられる。しかし、『タイガーマスク』の覆面レスラーは毎回登場するわけではない。さらに物語が進むにつれて、奇怪な覆面レスラーの登場は減っていく(アニメオリジナルの覆面レスラーが、原作の覆面レスラーに比べると個性が弱かったことも指摘しておこう)。
　それに対して「仮面ライダー」は基本的に新しい怪人が毎週登場する。『タイガーマスク』が強敵と試合をするまでに数話を使うことが多かったのに対して、「仮面ライダー」は毎回バトルがあり、仮面ライダーはほぼ毎回敵を倒すのだ。それを含めて「仮面ライダー」は子供向きのアクションものとして、実に刺激的であり、サービス満点の番組であった。
　『タイガーマスク』が放映されたのが1969年10月2日から1971年9月30日であり、「仮面ライダー」の放映開始が1971年4月3日。放映時期が半年重複している。『タイガーマスク』が第8クールに突入する1971年7月に「仮面ライダー」では主人公が一文字隼人(仮面ライダー2号)に交替。「変身」の掛け声と変身ポーズで変身するようになり、それ以外の路線変更もあり、更に人気が高まっていく。
　以下は自分自身の体験を踏まえて書くが、視聴者の、特に子供達に与える刺激や快楽の強さについて「仮面ライダー」は『タイガーマスク』を上回っていた。「仮面ライダー」が爆発的な人気番組となり、相対的に『タイガーマスク』の存在感が弱くなったのではないか。より刺激的で快楽の強い「仮面ライダー」が登場したことによって、相対的に『タイガーマスク』はストイックで、やや地味な印象の作品になってしまったのではないか。
　「仮面ライダー」が最初のシリーズだけで終わっていれば状況は違っていたのかもしれない。ではあるが、最初のシリーズが最終回を迎えた後も「仮面ライダー」は続編シリーズが作られ続けた。そのために『タイガーマスク』の存在は、ファンの意識の中で隅に追いやられたままになったのではないか。
　以上が、僕が思っている「『タイガーマスク』が作品として反芻されていない理由」のひとつである。作品を作るのにあたって、先行する人気作を参考にするのは当たり前のことであり、そのことで「仮面ライダー」の作り手に文句を言うつもりはない。さらに言えば「仮面ライダー」以外にも『タイガーマスク』の影響を受けた作品は数多い。それを挙げていくのはあまりに厭らしいので、ここでそれを語ることはしない。後続の作品の多くに影響を与えたのは、それだけ当時の『タイガーマスク』が斬新であり、魅力があったからである。そのことはこのコラムの読者に伝えておきたい。
　そして、反芻されておらず、語られる機会が少なかったとしても、『タイガーマスク』が物語についても映像についても、魅力のある作品であることは間違いない。物語については、ハードボイルドタッチの「大人のためのドラマ」、あるいはテーマに対する取り組み方が素晴らしかった。それらの充実した部分に関して言えば、60年を超えるTVアニメの歴史の中にあって、トップレベルのものであると思っている。

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　アニメ『タイガーマスク』の第104話「血戦!!「虎の穴」」(脚本／近藤正、美術／浦田又治、作画監督／白土武、演出／蕪木登喜司)と、最終回である第105話「去りゆく虎」(脚本／安藤豊弘、美術／浦田又治、作画監督／小松原一男、演出／勝間田具治)でタイガーマスクとタイガー・ザ・グレートの試合が描かれた。第104話と最終回の戦いは壮絶なものであり、特に最終回は今もファンの間で語り草になっている。
　最終回が素晴らしい出来であることについて異論はない。アニメ『タイガーマスク』の完結に相応しい力が入った仕上がりだ。未見の方がいたら是非観てもらいたい。できることなら、最終回に至る一連のエピソードの始まりである101話「「虎の穴」の処刑」から、いや、テーマ性の強いエピソードの集大成である第100話「明日を切り開け」から最終回までを連続で観てほしい。どうして第100話から観たほうがいいのかについては、今回のコラムの最後まで読んでもらえば分かるはずだ。
　アニメ『タイガーマスク』ではプロレスの試合のかたちを借りて命のやりとりが何度も描かれており、タイガーとグレートの戦いでそれが最高潮に達する。グレートは明らかにリングの上でタイガーを殺そうとしていたし、タイガーも殺意を露わにしてグレートを倒した。それはギラギラとした殺し合いであり、『タイガーマスク』ならではのクライマックスだった。勝間田具治の演出と小松原一男の作画が、緊張感とリアリティを高いレベルで維持し、ドラマと感情を深く激しく表現した。
　試合の途中でタイガーマスクは自身のマスクを捨てて素顔を晒す。それはテレビ中継で試合を観戦していた健太達だけでなく、アニメ『タイガーマスク』を観ていた視聴者にとってもショッキングな事件であった。文字通り「思わず息を呑む」瞬間だった。劇中の人物だけでなく、視聴者にとってもショッキングなものになっているのは勝間田具治の演出力によるところが大きいはずだ。
　タイガーマスクの正体が明らかになったことが、最終回の最大のポイントである。正体が明らかになったことで、タイガーマスクは正体不明の謎のレスラーではいられなくなってしまった。すなわち、ヒーローとしてのタイガーマスクは「死」を迎えたのだ。それと同時に、試合を通じて子供達に正しい生き方を示してきたタイガーマスクが、健太達に嘘をつき続けていたことが明らかになってしまった。これからは今までと同じように、ちびっこハウスを訪れてキザにいちゃんを演じることはできない。直人にとっての幸福が永遠に失われてしまった。それだけではない。直人は自分自身とタイガーマスクを別の存在として考え、別人として振る舞っていた。彼はリングの上で血まみれのファイトを繰り広げるタイガーマスクを、自分とは別の人格だと思い込もうとしてたのかもしれない。タイガーマスクが素顔を晒したことで「タイガーマスクとは別人格の伊達直人」も「伊達直人とは別人格のタイガーマスク」も存在できなくなってしまった。
　素顔を晒したタイガーマスクは伊達直人の姿で反撃に転じ、激しい反則技を次々と繰り出して、グレートを圧倒する。その強さは多くのものを失った怒りによるものである。二つの人格に分けることによって曖昧なものとしていた虎の穴に対する怒りと憎しみが、人格を隔てるものがなったことで剥き出しになってしまったのかもしれない。グレートを葬り去ったのは、剥き出しになった直人の怒りと憎しみだったのだろう。
　グレートを圧倒する直人は「虎の穴からもらったものを叩き返してやる。それで俺は伊達直人に還るのだ！」と言った。「虎の穴からもらったもの」とは激しい反則技のことであり、血塗られた今までの人生のことである。しかし、グレートを倒した後の伊達直人は、かつての「タイガーマスクとは別人格の伊達直人」ではない。虎の穴に復讐するためにマットで血の雨を降らせてしまい、二度とちびっこハウスを訪れることができない伊達直人である。
　原作の直人は死ぬ前にマスクを川に捨てた。つまり、原作の直人は、タイガーマスクの存在を自分から切り離し、一人の伊達直人という人間として死んでいった。それに対して、アニメの直人はタイガーマスクとして血を流してきた過去を背負って、最終回の後も生きていかなくてはいけない。物語が進めば進むほど、原作の直人が進んだ道と、アニメの直人の進む道は離れていった。アニメ『タイガーマスク』は原作と違った意味での悲劇として終わったのである。

　第6クールの最後でクライマックスを迎えたアニメ『タイガーマスク』が、第8クールの終盤で再びクライマックスを迎えるために第7クール、第8クールを使ってドラマを積み上げていることは、今までこのコラムで書いてきた。それについてはコラムを遡って読んでもらいたい。
　タイガーと赤き死の仮面の戦いが、『タイガーマスク』物語前半のクライマックスだった。その「タイガーＶS赤き死の仮面」の物語の骨格を「タイガーＶSグレート」で再度採用していることについても言及しておく。アニメ『タイガーマスク』で赤き死の仮面が登場したのが第41話。タイガーとの戦いが描かれたのが第43話だ。赤き死の仮面はタイガーとの試合で木製の長椅子を二つに割り、割れて尖った長椅子を凶器として使う。そして、タイガーがそれを奪って赤き死の仮面に止めを刺した。グレートも割れた長椅子を凶器として使い、逆襲に転じたタイガーは木製の長机を割ってグレートに攻撃する。赤き死の仮面との試合でタイガーは封印していた反則を使ってしまい、そのことで直人は日本を後にして旅立つことになる。最終回のラストでも反則を使ってグレートを倒した直人は海外に旅立つ。アニメオリジナルの展開で、試合の前にルリ子が直人に赤き死の仮面との試合をやめるように言う。それが第42話だ。グレート戦で第42話に相当するのが、このコラムで取り上げた第102話である。第102話ではルリ子が試合をしないでほしいと言い出す前に、直人が「今度の試合を止める必要はない」と言っているが、それは第42話を踏まえたセリフであるはずだ。
　シリーズ終盤の展開は「タイガーＶS赤き死の仮面」の骨格を再利用したものだが、全ての面においてパワーアップさせている。赤き死の仮面は登場した時点での最強の敵だが、グレートは虎の穴のボスであり、虎の穴最強のレスラーだ。赤き死の仮面の登場から試合まで3話をかけているが、虎の穴のボスの登場から試合までは2クールをかけており、じっくりと盛り上げている。ルリ子が試合を止めようとする展開も、シリーズ終盤では直人の告白とセットにして、より劇的なものとしている。互いが木製の長椅子(あるいは長机)を使って攻撃する展開についても、グレート戦ではそれで決着がつかず、タイガーはさらに大掛かりな反則技を使っている。アニメの作り手達は物語前半のクライマックスである「タイガーＶS赤き死の仮面」のエピソードをパワーアップさせて、より強烈なクライマックスを作り上げたのだ。
　アニメ『タイガーマスク』の第4クールの最後から第5クールでは「直人と市井の人々とのドラマ」が連続し、直人がやってきたことが正しいことだったのかを問いかけ、「不幸な境遇にいる人達に対して何ができるのか」についての結論に辿り着いた。そして、第7クールと第8クールのちびっ子ハウスの個々の子供にスポットを当てたエピソードでは「みなしごはどのように生きるべきか」が描かれ、それと同時に「不幸な境遇にいる人、人生の岐路に立った人に対してどのように接するべきか」について、さらに「人間はどのように生きるべきか」について語られた。それらのエピソードを通じて伊達直人は成熟し、人間としての厚みを持つこととなった。
　そしてこれが非常に重要な点であるのだが、そのように成熟し、人間として厚みを持った伊達直人が、最終回におけるタイガー・ザ・グレートとの死闘の中で理性を失い、反則の限りを尽くして、グレートを血の海に沈めてしまったのである。自分がやるべきことを問い、人間がいかに生きるべきかを考えた直人が、復讐の想いに駆られて殺意を持って敵を倒してしまった。それが悲劇でなくてなんであろうか。人の復讐の想いとはそれほどにも強いものなのか。どんな人間も恨みや憎しみに飲み込まれてしまうものなのか。
　主人公の人間的な成熟が最終的に悲劇に繋がるということを、作り手が意識して個々のエピソードを紡いでいたのかは分からない。ではあるが、俯瞰して見ればアニメ『タイガーマスク』はそういった構造を持った物語であった。全105話の物語を通じてひとつの悲劇を描いた。伊達直人は勝利した。しかし、その勝利はあまりにも苦いものであった。

●第24回 『タイガーマスク』と「仮面ライダー」 に続く

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最近、社内で予定の生産量が上がらず困っています！

　原画だけでなく動画も。もっと言うと演出チェック・作監チェックまで、もう全てと言っていいくらい。全デジタル化を進める際、周りの方々から色々参考意見を訊いたのですが、その中に「作業効率が上がるばかりとは思わないほうがいいですよ」というのがありました。つまり「効率が上がる人もいれば、逆に下がる人もいる」と。で、ウチは下がってる人の方が多いのかも？
　これを吐露すると“作画業務デジタル化反対勢”に「ざまあみろ～」と言われると思うのですが、画を描く際の作業効率は少々下がったとて、“直デジタル描き”で全素材をデータ化したことによる“制作進行とそれに類する作業の軽減化”はできているので、プラマイゼロなのですよ！　ずっと以前から何回も話題にしているとおり、制作工程に“紙”が挟まることで“スキャンしてタップを貼る人手（制作）”が必要になるのですから。
　で、「俺自身の場合は？」と言うと、「作業効率が上がった」ほうに入ると思います。何せ消しゴム掛ける手間がなくなり、素材の拡大・縮小・コピペがし放題。つまり、“紙”作画だったらコピー機に走らなきゃならないことが、ＰＣ上で全て片付くのですから、こんな便利な道具はありません。

作画用紙に鉛筆でパラパラ描いていた時に想い描いた「あんなコトできたらイイな～」な“便利”が、現実になった！

のです。ただ現状、アナログ作画を知らない若い世代ほど、逆に生産量に結びついていないようです。それは、“消し～直し”が簡単にできるからでしょう。何せ「デジタルで便利になって嬉しい」我々と違って、デジタルネイティブな新人は、

「消去・修正の往復が簡単にできる」のが前提の脳に仕上がっているため、延々と繰り返し、満足いく線が描けるまで“消し・引き”続けることが当たり前！

だからです（敢えて断言）！　しかも“働き方改革”で、社員＆時給＆労働時間制限あり……。
　確かに学生時代にスマホもなかった我々ですが、そのアナログ時代に仕事を始め、やり直しがきかない “セル”というアナログ素材でアニメを学ぶことができたことは本当に運がよかったと思うべきです。なぜなら、

用紙に鉛筆では描き直しが面倒だからこそ、“画は基本一発描き”するもの！

と、先輩方から指導されて、そう脳にインプットされているから作画は“早描き”が基本。その上でのデジタル利便性加味。そりゃあ効率上がりますよ！　まだ、アナログ作画を貫いている方で、もし「デジタル作画に切り替えたい」と思われてるのであれば、相談に乗りますのでお気軽に声を掛けてください。

　では、またデジタルネイティブ世代のスタッフ育成に戻ります。

　腹巻猫です。山田尚子監督の最新作『きみの色』を観ました。やさしく心地よい作品でした。バンドもの、青春ものに分類されるのでしょうが、青春ものにありがちな感情のぶつかりあいや屈折した感じがない。好きなことを貫く純粋な気持ちと楽しさが大切に描かれているのがよかったです。今回はその音楽について。

　『きみの色』は2024年８月30日に公開された劇場アニメ。監督・山田尚子、脚本・吉田玲子、アニメーション制作・サイエンスSARUによるオリジナル作品である。
　ミッション・スクールに通う日暮トツ子は、人が「色」で見える感覚を持つ高校生。同学年の生徒・作永きみに美しい「青」を見て感動したトツ子は、きみが突然学校を辞めたと聞いて、彼女を探し歩いた。きみが店番をする本屋「しろねこ堂」にたどりついたトツ子は、そこで同年代の少年・影平ルイに出会う。トツ子、きみ、ルイの３人は、トツ子の思いつきでバンドを組むことを決定。３人はそれぞれがオリジナル曲を作って練習を重ね、学園祭で初めてのライブに挑む。
　ふんわりとやさしい印象を受けるが、緻密に構築された作品である。キーワードはタイトルにもなっている「色」。トツ子は赤、きみは青、ルイは緑が割り当てられている。３つの色が混ざりあったり、明暗が変わったりするように、３人の心情や関係性が変化する。それはカットごとの色彩設計にも反映されているはず。ストーリーを追うだけでなく、３人が持つ色、感情や関係性の変化を見守る作品なのだと思った。

　音楽も同じような考え方で作られている。
　音楽を担当したのは牛尾憲輔。山田尚子監督とはこれが４作目のタッグである。バンドがテーマの作品なので、珍しくポップな歌ものを３曲書いている。それぞれに個性的な曲なのだが、今回は取り上げない。たぶん、いろんな人がいろいろな観点で語ってくれると思うから。
　今回、紹介したいのは劇伴（ＢＧＭ）である。
　劇伴作りは、山田監督から作品の説明を聞いた牛尾が、そのイメージをもとに曲を書くことから始まった。映像の制作が進むと、場面に合う曲を選び、映像の尺に合わせて劇伴にアレンジしていく。そんな流れで進められたようだ。今回は終盤のライブシーンでバンドが演奏する曲が音楽的なクライマックスになるので、劇伴はあえてキャッチーな曲にせず、シンプルな楽曲にしたという。
　で、ここからが本題だが、牛尾憲輔は劇伴に、この作品ならではのしかけを盛り込んでいる。
　トツ子、きみ、ルイの３人に割り当てられた３つの色、赤、青、緑は「光の３原色」と一致する。コンピューターで色を扱うときにも基本となる色である。雑誌『CONTINUE』Vol.84に掲載された牛尾憲輔の談話によると、本作では、この３つの色を音にも応用したのだという。具体的には、赤、青、緑にあたる音の周波数を割り出し、「それぞれのキャラクターの重要なシーンには、それぞれの（周波数の）ノイズが鳴るようにプログラミング」したのだそうだ。赤、青、緑の３原色を混ぜると白になるが、それぞれの周波数のノイズも重ねるとホワイトノイズになる。この考え方で音楽も作られている（ようだ）。
　本作のサウンドトラック・アルバムは、2024年８月28日に「映画『きみの色』オリジナル・サウンドトラック all is colour within」のタイトルでポニーキャニオンからＣＤと配信でリリースされた。２枚組で、ディスク１には劇中で使用された背景音楽（劇伴）とライブシーンで演奏された曲を収録。ディスク２には、ライブシーンで演奏された曲の新録フルサイズ・バージョンと特報用音楽やスケッチ音源などの本編未使用音源を収録。
　ディスク１の収録曲は以下のとおり。

1. 244, 233, 227
2. 247, 221, 111
3. 75, 128, 253
4. 151, 192, 171
5. 247, 175, 119
6. 216, 227, 151
7. 131, 159, 155
8. 169, 142, 94
9. 252, 238, 191
10. 249, 196, 124
11. 244, 132, 85
12. 233, 159, 124
13. 128, 173, 231
14. 153, 120, 80
15. 124, 166, 104
16. 66, 59, 77
17. 221, 199, 253
18. 254, 238, 246
19. 51, 75, 92
20. 160, 160, 148
21. 15, 21, 52
22. 245, 234, 200
23. Born Slippy Nuxx
24. 221, 225, 227
25. 94, 143, 159
26. 75, 213, 232
27. 210, 246, 253
28. 255, 254, 244
29. 234, 242, 247
30. 反省文〜善きもの美しきもの真実なるもの〜 (Live Version)
31. あるく (Live Version)
32. 水金地火木土天アーメン (Live Version)
33. Giselle, Act I: Pas seul – Pas de deux des jeunes paysans
34. 255, 255, 255

　いったいこれはなんなのか。予備知識なしに音楽を聴く人は、このタイトルを見て途方に暮れてしまうのではないか……と思うくらい、ユニークな曲名がつけられている。
　例外はトラック23とトラック30〜33。トラック23「Born Slippy Nuxx」はトツ子ときみが寄宿舎のトツ子の部屋でパーティをする場面に流れるUnderworldの曲。トラック30〜32がトツ子たちがライブで演奏する曲。トラック33はライブ後にトツ子が中庭で踊る場面に流れる、テルミンによるバレエ音楽「ジゼル」の演奏である。
　では３つの数字の曲名はなんだろうか。コンピューターで色を扱ったことがある方ならわかると思うが、これは色を表すコード（カラーコード）である。３つ並んだ数字は順に赤、緑、青（Red・Green・Blue）の３色に対応している。それぞれが８ビットで表現される０〜255の値で、値が大きくなるほど明度が高くなる。３色を合成することでひとつの色になるしくみだ。つまり、３つの数字で色を表現しているのである。

　曲名がカラーコードになっているのはどういうことなのか？
　以下は筆者の推測である。推測なのでまちがっているかもしれないが、誤読することも音楽の楽しみ方のひとつなので、書いてみる。
　本作ではトツ子、きみ、ルイの３人に赤、青、緑の色が割り当てられている。だから、曲名の数字は、そのシーンで３人のうち誰にフォーカスが当たっているか、あるいは３人それぞれの心情や３人の関係性を表現しているのではないか、と推測できる。
　では、各曲はその色をイメージして作曲されたのかというと、それほど単純ではないと思う。
　ヒントは、牛尾憲輔が「それぞれのキャラクターの重要なシーンには、それぞれのノイズが鳴る」と語っていること。そして、アルバムのタイトル「all is colour within」だ。
　「all is colour within」は「すべては内なる色である」とも訳せるが、「すべての内に色がある」という意味にも受け取れる。つまり、それぞれの曲はカラーコードで示されたノイズ（色）を含んでいるということではないだろうか。
　たとえば最後の曲「255, 255, 255」はラストシーン、旅立つルイをトツ子ときみが見送る場面に流れる曲である。「255,255,255」が表す色は白。３つの色の値が最大になっているのは、３人の心情が作品の中でもっとも晴れ晴れとしていることに対応しているはずだ。そして、この曲には薄くホワイトノイズが乗っている。曲自体はピアノによるリリカルな曲なのだが、ノイズが乗ることで音色が変化し、曲の印象がわずかに変わる。
　また、トラック28は３人が島の古い教会で合宿をする場面に流れる曲だが、「255, 254, 244」とそれぞれのカラーコードが最大に近い値になっている。この場面で３人はそれぞれの胸に抱えている「好きと秘密」を共有する。その解放感と共感が色で表現され、ノイズとして曲に足されているのだろう。
　いっぽう、学校を辞めたことを祖母に秘密にしているきみが、祖母に本当のことを言いかけてくちごもってしまう場面のトラック16「66, 59, 77」では、３つの値は小さくなり、低い周波数のノイズ（暗い色）が足されていることがうかがえる。
　こんなふうに、各シーン用に書かれた曲に、それぞれのシーンに応じたノイズ（色）が加えられているのでは？　というのが筆者の考えである。

　曲名とカラーコードとノイズの話を長々としてきたが、そんなことを意識しなくても、ふつうに音楽として聴いて心地よい作品である。
　実は筆者もバンド活動をしていたことがあり、しかも、ライブでテルミンを演奏したことがある。だから、サウンドトラックの中でもテルミンを使った曲に惹かれた。劇中ではルイがテルミンを弾くのだが、音楽録音ではフランスのテルミン奏者グレゴワール・ブランが演奏を担当している。ルイの演奏スタイルもブランの演奏スタイルを参考にしたものだ（左手の動きが独特）。
　トラック26「75, 213, 232」はルイがテルミンで「あるく」（トラック31）のメロディを演奏した曲。この曲は、きみが作った曲をルイが編曲した設定なので、カラーコードもルイの緑ときみの青を示す値が大きくなっている（のだと思う）。
　トラック33のテルミンによる「ジゼル」の演奏も聴きどころである。実はＣＤの解説書にはトラック23とトラック30〜33にも「additional colour code」として、それぞれの曲に付加された色のコードが掲載されている。それによれば、この「ジゼル」に付加された色は「254,254,254」。ライブが終わったあとの３人の爽快感と一体感が、限りなく「白」に近い色で表現されているのだろう。
　カラーコードで表記された曲名は、ぱっと見て意味がわからず、不親切なようだが、それぞれの曲に色が付いていると考えると、隠された意味や音色を読み解くことができる。そういう楽しみ方ができるアルバムである。
　もっとも、各曲に加える色（ノイズ）をどのような基準で決めているのかは、筆者もまだよくわかっていない。３人がいつも画面に映っているわけではないので、３人の関係性や心情から決めているとは言い切れない。そういう場合もあるだろうが、ほかの基準もあるはずだ。場面の雰囲気を色で表現しているとか、画面の色彩設計に合わせてあるとか。たとえば、１曲めの「244, 233, 227」が流れる冒頭の場面はトツ子のモノローグの場面なので、トツ子をイメージした色と考えたほうがすっきりする（ちなみにこのカラーコードを色にすると淡いピンク色になる）。同じように、トラック３の「75, 128, 253」はきみの登場場面に流れる曲で、色にするときれいな青になる。
　いずれ本作が映像ソフトになったり配信されたりしたときに、じっくりと映像を観、音楽を聴きながら、それぞれの場面のカラーコードを確認してみたい。きっと、まだ気づかない秘密があると思うのだ。

映画「きみの色」オリジナル・サウンドトラック all is colour within
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　今さらな話題を。以前、社内のとあるスタッフから「僕は病的なまでに、人から嫌われたくないんですよ（苦笑）」と告白されたことがあります。それで言うなら今回の話、

板垣は、病的なまでに“勝負・競争・奪い合いが嫌い”!!!

ということになります。もしかするとこれ、以前も一度話題にしたかも？
　つまり、弊社——ミルパンセについてちょくちょくネット界隈で目にする「スタッフが足りて無くて大変そう」とか「原画だけでなく背景まで描いて、板垣無双」とか。まあ、例え揶揄の対象でも話題にされることはプラスに捉える性分なので、腹立ててるのではないのです。ただ、少々勘違いされてるかもしれないと思い、ここで改めてハッキリ言っておきますが、スタッフ（人手）が集まらないのではなくて、“無理に集めようとしていない”んです。ってとこまでは以前も語ったと思います。ただ、ここからは俺の“主義”の話。
　スタッフ不足を揶揄される方からすると、「フリーを連れてくれば～」や「グロス先探せば～」などと仰るのでしょうが、前述の俺の性分から、

業界全体が人手不足なのにそれを会社同士で奪い合う、スタッフ争奪戦が大嫌い！

なんです。どの会社（スタジオ）もスタッフ欲しがっているなら、俺はそれから離脱して、なるべく社内のみで作れる方法を編み出し、知恵で乗り切ることを考えます！　具体的には社内で全部回せるコンテに描き換えたり、ラフ原画と第２原画に２回も手を入れるのではなく、作監修正は俺が指示した部分にのみ！　できるだけ１回で仕留める！　とか。ま、それでも巧くいかなかったら、最悪「自分が描けばいいか」が、板垣だらけのスタッフロールになる訳～。
　“争い嫌い・勝負嫌い”はアニメに限らず、今までの板垣人生において大きな基軸（？）になっています。例えば、我々世代ならなんと言っても受験。第２次ベビーブームの団塊ジュニア世代、進学校だったせいか周りの同級生は血眼で勉強していました。半分以上の人が浪人するのが分かっていた、受験戦争！　やりたい事こと（アニメ）がすでに見つかっていた自分は「席を空けた方がいいでしょ」と戦線離脱。芸大受験という方向も止めました。
　お金もそう。自分が金持ちになると、その反面誰かが貧乏になる──と。実際はそんなことないかも知れないけれど、そう想像してしまうのが俺……。

何事においても、自分が勝つということは、誰かが負ける訳で、それが嫌い！

　別にカッコイイとか優しいと思われたい訳ではありません！　カッコつけてるどころか、自分ではただの意気地無しと思っていますから。ただ、会社の取締役としては己の主義どうこうは置いておいて、スタッフ皆を勝ちに導かなきゃならないと、最近は思っています。

　では、スタッフ育成に戻ります！