作画話の続き。前回、作画に関して厳しめな話をしましたが、もう少し正直に深堀を。

俺がテレコム・アニメーションフィルムで大塚康生さんや友永和秀師匠教わった“原画”とは、理屈＆リアリティでがんじがらめの、大よそ“自由に楽しくお絵描き”とは程遠い仕事!!

でした。１枚１枚の原画を丁寧に捲られて「このポーズとこっちのポーズのシルエットの変化が～」とか「波の散り方は～、炎の動きは～」などといちいち“芝居”と物理法則の指導が入り「とにかく黙ってこう描くべき」と。せっかく試験に合格してハレて原画になれたのに「やっぱり難しい……」とまた動画に戻る人が何人もいたぐらい、その楽しさは厳しさに裏打ちされた真剣な仕事でした。が、個性・多様性は二の次な昭和教育を受けた自分らとは違い、時代は令和。それ故、自分がミルパンセで新人を指導する時、

「とやかく言わずこうしろ！」と強制的に言うより、「一応セオリーとしてはこうだけど、あとは自分なりのやり方を見つければよい！」　

的な言い回しを心掛けていました。で、今回はっきり言ってその自分の指導のし方が仇になっていたことが、如実に結果として現れた訳です。つまり、何年も前から繰り返し教えたハズのことが、皆大好き“多様性と人それぞれ”思考によって、俺が目の前で実演して見せても「あれは板垣さんのやり方～」と聞き流すだけで、その後ついてくるハズの“それぞれ自分なりのやり方”を見つけられていなかったのです。キャラのポーズだけでなく、海、水、炎、土煙他エフェクト——緩い。

別に俺の描き方を真似なくてもいいから、“好きに描いた”各々の研究結果を見せてくださいよ！

といった仕上がり。で、若手が元気な現場を作るという目論見は見事に外れて、緩い先輩が、只々優しく甘く根拠のない指導によって緩い後輩を育てる現場ができ上がりそうになっているのが分かって、「このままでは駄目な作品と駄目なアニメーターができ上がてしまう！」と、多様性総作監中止！　「取り敢えず今回は、俺のラフをトレスして！」と全編、責任を取って直し捲った訳です。 　もちろん、俺の言ったことを自分なりに吸収して、上達している人達もいるし、今後もまた若手そして今年入社した新人らにも期待して、新たに更新版指導方法を模索中な毎日です。

　キャラクター・小物・美術・色彩設計など、設定類の発注は全面的に監督・田辺慎吾君に任せて、その上がりで気になったところにチェックをするという前作『いせれべ』と同じコンビネーション。前回話題にしたように、コンテ修正は全面的に板垣、設定発注は田辺。コンテを決定稿に持っていくにはキャリア的にまだちょっと……、だとしても監督の仕事の半分は“発注”ですから、そちらは全面お願いしました。
　キャラクターの開発も、メインキャラ（喜屋武・比嘉・てーるー・安慶名・下地・上間）に関してはラフの時点で俺の修正が入っています。あと、サブキャラも吉田（智裕）君だけでなく社内スタッフ数人に撒いて、監督と一緒にチェックする、といった感じでスタッフ皆で設定を描いた感じです。あ、アニメーターに美術設定を描いてもらったりもしました。

　で、いよいよ作画がまた大変！

先に謝っておきます。申し訳ありませんがここではスタッフ一同の将来の成長を願って、敢えて厳しくハッキリ言わせてもらいます。１話から「出来が良くなかった！」と。キャラが似てる似てないとかじゃなく、表情が硬い、ポーズが硬い、動きが硬い!!!
　コンテを出し切った俺は、早々に“総作画監督”制の廃止。全員“平”の作監（メインアニメーター）として、板垣（作画プロデューサー）の指示のないものを勝手に次工程へ回すのを禁止しました。そして、すでに上がっていた仕上げ素材に板垣のほうで、直接デジタル作画修正～動仕スタッフ総出でクリーンアップ＆仕上げ！　部分的に原画から描き直し。

制作期間前半は脚本・コンテ～後半はスタッフの未熟な部分の補完・修正に走り回っていた！

　そんな毎日でした。まぁこーゆーのもまた楽しいものです。

　その『沖ツラ』制作中、次作の準備・プリプロを進めてくれていたのが、木村博美さん。前回発表しましたが、もう一度念押し。

木村博美キャラデザ、そして初監督『キミと越えて恋になる』のＰＶ、是非見て下さい！

　4月12日(土)に開催する【新文芸坐×アニメスタイル】の上映プログラムは「『デジモンアドベンチャー』劇場版初期三作」です。
　細田守監督による第1作『デジモンアドベンチャー』は本格怪獣映画の醍醐味を詰めこんだ短編。同じく細田監督の第2作『デジモンアドベンチャー ぼくらのウォーゲーム！』はスタイリッシュを極めた映像＆タイムサスペンスの娯楽作。山内重保監督による第3作『デジモンアドベンチャー02 前編 デジモンハリケーン上陸!! 後編 超絶進化!!黄金のデジメンタル』は濃厚な空気が観客を圧倒する異色作。いずれも作家性が発揮された傑作です。
　トークのゲストは山内重保監督。【新文芸坐×アニメスタイル】での山内監督の登壇は2012年6月以来となります。

　今回は貴重な35ミリフィルムによる上映となります。チケットは4月5日(土)から発売。チケットの発売方法については新文芸坐のサイトで確認してください。

●関連リンク
新文芸坐オフィシャルサイト
http://www.shin-bungeiza.com/

新文芸坐オフィシャルサイト（『デジモンアドベンチャー』劇場版初期三作 情報ページ）
https://www.shin-bungeiza.com/schedule#d2025-04-12-1

　腹巻猫です。西武渋谷店で開催中の「宇宙戦艦ヤマト　全記録展」に行ってきました。膨大な数の資料がぎゅっと濃縮された展示。原画（複製含む）から伝わる作り手の熱気に打たれます。そして展示の背景にある、資料を散逸から救い、現在まで守り通したファンの熱意にも想像をめぐらせたい。筆者も50年前、同じ思いを胸にその活動を見守っていました。開催は３月31日までなので、気になる方はお早めに。
http://tfc-chara.net/yamato50th/exhibition/

　今回取り上げるのは、今年（2025年）１月から放映中のＴＶアニメ『魔法つかいプリキュア!!〜MIRAI DAYS〜』の音楽。
　本作は2016年に放映されたＴＶアニメ『魔法つかいプリキュア！』（通称「まほプリ」）のストレートな続編である。
　『魔法つかいプリキュア！』は、中学２年生の朝比奈みらい（キュアミラクル）と魔法界から来た少女・十六夜リコ（キュアマジカル）、妖精の赤ちゃんから成長した花海ことは（キュアフェリーチェ）の３人が伝説の魔法つかい「プリキュア」に変身し、邪悪な闇の魔法使いや世界に災厄をもたらす「終わりなき混沌」と戦って世界を救う物語。
　続編となる『魔法つかいプリキュア!!〜MIRAI DAYS〜』では、成長したみらいとリコが、刻の魔法をあやつる少年アイルの謎を追い、黒幕である刻の魔獣クロノウストと戦う姿が描かれる。
　前作（『魔法つかいプリキュア！』）の第49話、物語の後日談となるパートに、大学生になったみらいと魔法学校の先生になったリコが登場する。『MIRAI DAYS』はその時間線の延長で展開する作品だ。「２人のその後が知りたい」と思いながら待っていたファンにとって、まさに待望の続編である。

　音楽は前作も手がけた高木洋が担当。本作のために37曲の新曲を制作している。
　そのうちわけは、新たに登場するキャラクターの音楽、敵があやつる「刻の魔法」の音楽、プリキュアの戦いを描写するアクション曲、成長したみらいたちの日常や心情を描く音楽、といった構成だ。
　こうした新曲とともに前作の音楽も劇中ではふんだんに使われている。たとえばサブタイトル曲、プリキュアの変身ＢＧＭや浄化技の曲、心情描写曲や状況描写曲、アクション曲など。耳になじんだ音楽を聴いていると、放映当時の思い出がよみがえり、「あの世界に戻ってきた！」と思わせてくれる。
　本作のために新曲を作るにあたり、高木洋は、みらいやリコが「成長した感じ」を音楽で表現しようとは特に意識しなかったという。というのも、前作の放映は８年前。それから現在まで、高木自身も経験を積み、スキルアップしている。８年のあいだに自身が身につけたことを自然に音楽に落とし込めば、意識せずとも成長した２人にふさわしい音楽ができるはずだと考えたのだ。
　だから、本作のために書かれた音楽は、特に大人びた音楽にはなっていない。前作からシームレスにつながるような音楽である。それがいい。大学生になったみらいも先生になったリコも、「大人になった」という印象はなく、中学生の頃の無邪気さやノリを残している。筆者の経験から言っても、大学生って中学時代に思っていたほど大人ではないのだ。結果的に新作の音楽は前作の音楽と自然にまじりあい、ふたつの作品を隔てる時間を感じさせない。『まほプリ』という作品にとっては、それがよかったと思う。
　特筆すべきは、新曲の中に前作の曲をアレンジした曲やモチーフを引用した曲があること。音楽発注の段階でそうした指定がされた曲もあるが、高木洋が自らアイデアを出して作った曲もある。高木は、前作で自分の音楽がどのように使われたかを熱心な『まほプリ』ファン並みに把握しており、「こういうテーマの曲なら、前作のあのモチーフを引用したほうが効果的だろう」と判断して作曲に臨んだのである。
　また、前作の音楽制作のときに高木がこだわったのが、コーラスにプリキュア主題歌シンガーの五條真由美とうちやえゆかを起用することと、リズム（ドラム、ベース）に打ち込みを使わずに生楽器で録音することだった。本作でもそのふたつは継承され、『まほプリ』サウンドが再現されている。
　こうした仕事ぶりからは高木洋の熱い「まほプリ愛」が伝わってくる。
　本作のサウンドトラック・アルバムは2025年３月５日に「魔法つかいプリキュア!!〜MIRAI DAYS〜　オリジナル・サウンドトラック」のタイトルで、マーベラスからＣＤと配信でリリースされた。
　収録曲は以下のとおり。

1. ミラクル・マジカル・ジュエリーレ！〈ピンクダイヤ〉
2. Dokkin◇魔法つかいプリキュア!!Part３〜MIRAI DAYS〜（ＴＶサイズ）
3. 助けて！魔法つかい
4. キャンパスライフはワクワクもんだぁ！
5. ひすいのテーマ
6. 刻の魔法
7. フラッシュバック
8. アイルのテーマ
9. 大きくなってる！？
10. みらいとリコの新生活
11. 懐かしき思い出
12. 不安な未来
13. あやしい影
14. 闇に潜む脅威
15. 大切なものを守るために
16. 巨大モンスター出現
17. 襲い来る強敵
18. 砂嵐の中に
19. アイルの過去
20. 悪夢の序章
21. 刻の魔獣クロノウスト
22. 魔獣との対決
23. めざめる力
24. K’s レポート
25. 闇の魔法つかい集結！
26. 永遠への誘惑
27. あらがえない現実
28. 猛攻迫る
29. 魔法大激突
30. 宇宙終焉の危機
31. 未来をこの手で
32. 止まる時間
33. 刻の迷宮
34. あなたがここにいてほしい —オルゴールversion—
35. 魔法がつなぐ未来
36. 四人の魔法
37. プリキュア・エクストリーム・レインボー！ —MIRAI DAYS version—
38. 歩みゆく日々
39. キセキラリンク（ＴＶサイズ）

　収録曲はすべて本作のために制作された新曲。前作の曲は収録されていない。
　構成は筆者が担当した。本作では脚本をベースに「どこにどんな曲を流す」という音楽プランが練られ、それをもとに音楽発注が行われている。つまり、多くの曲が具体的なシーンを想定して書かれている。いくつかの曲では絵コンテをもとに絵に合わせたフィルムスコアリングが行われた。本アルバムはその音楽プランに沿った構成でまとめている。ただし、完成作品では音楽プランとは異なる曲が流れているケースもあり、必ずしも本アルバムどおりの順で曲が使われているわけではない。
　以下、ポイントとなる曲を紹介しよう。
　１曲目「ミラクル・マジカル・ジュエリーレ！〈ピンクダイヤ〉」はプリキュアの変身ＢＧＭ。前作の変身ＢＧＭ「ミラクル・マジカル・ジュエリーレ！〈ダイヤ〉」をアレンジした曲である。変身に使う宝石が「ダイヤ」から「ピンクダイヤ」に変わっているのが物語の上でも伏線になっている。
　実はもともと変身ＢＧＭを新録する予定はなく、前作の「ダイヤ」の曲を使う予定だったという。が、高木洋が第１話のアフレコを見学した際に「ダイヤ」ではなく「ピンクダイヤ」と言っているのを聴いて、「宝石が違うなら曲も新しくしたほうがよい」と考え、新曲を作ることを提案したそうだ。コーラスの歌詞も前作とは異なるものが作られ、五條真由美とうちやえゆかの歌唱で録音されている。
　トラック５「ひすいのテーマ」は、みらいとリコの前に現れる謎の少女ひすいのテーマ。ひすいは新キャラクターではあるが、本作の冒頭で行方不明になった花海ことは（キュアフェリーチェ）と深い縁があり、風貌も似ている。そのため、「ひすいのテーマ」は前作のことはのテーマ「はーちゃん」の音型を受け継いだ曲になっている。
　第８話ではひすいの秘密が明かされ、ことはが再登場する。そのときに流れる曲「めざめる力」（トラック23）も注目だ。前作のキュアフェリーチェの変身ＢＧＭ「フェリーチェ・ファンファン・フラワーレ！」をアレンジした曲になっているのである。第８話では「めざめる力」と「フェリーチェ・ファンファン・フラワーレ！」の２曲が続けて流れ、新作・旧作の音楽リレーでキュアフェリーチェ復活シーンを演出していた。
　ほかに新キャラクターのテーマとしては、プリキュアの前に立ちふさがる新たな敵アイルとクロノウストの曲がある。
　「アイルのテーマ」（トラック８）は刻の魔法をあやつる少年アイルのテーマ。「刻の魔法」（トラック６）、「巨大モンスター出現」（トラック16）、「砂嵐の中に」（トラック18）、「アイルの過去」（トラック19）、「悪夢の序章」（トラック20）はそのヴァリエーションである。アイルは刻の魔法でみらいとリコを翻弄するが、実は心に悲しみを抱いたミステリアスなキャラクターだ。そのため、音楽も邪悪なイメージではなく、謎めいた面が強調されている。なかでも「アイルの過去」は哀感ただようリリカルなアレンジになっているのが聴きどころ。
　「刻の魔獣クロノウスト」（トラック21）は第６話で姿をあらわす刻の魔獣クロノウストのテーマ。「魔獣との対決」（トラック22）、「永遠への誘惑」（トラック26）、「宇宙終焉の危機」（トラック30）は、そのバリエーションだ。いずれも強敵らしい、重厚で威圧感のある曲調で作られている。
　バトル系の曲ではヒロイックな「未来をこの手で」（トラック31）のカッコよさにしびれる。いっぽう「闇の魔法つかい集結！」（トラック25）は変化球とも言えるユニークな曲だ。クロノウストの魔手が魔法界に迫ったとき、前作では悪役だった闇の魔法つかいたちも魔法界を守るために立ち上がる。第９話のそんなシーンに流れるのがこの曲。前作の闇の魔法つかいのテーマ曲「闇の魔法つかい」をロック調にリアレンジしたものだ。これも時をへだてた音楽リレーと呼べる、うれしい演出である。
　前作の第49話で、みらい、リコ、ことはの３人が離れ離れになっていく、涙なしに観られないシーンに流れたのが、ピアノとストリングスによる「あなたがここにいてほしい」という曲だった。本作ではその曲をオルゴール風にアレンジした「あなたがここにいてほしい —オルゴールversion—」（トラック34）が作られている。実はこの曲も当初の音楽発注になく、高木洋が「こんな曲もあるとよいのでは」と考えて自主的に追加した曲だ。本編では第８話の終盤に流れたほか、第11話のみらいとリコが離れ離れになるシーンに、オリジナルの「あなたがここにいてほしい」につながる形で使用されている。高木洋の「まほプリ愛」あふれる音楽作りと、それを受け止めた音楽演出が生んだ、新たな名シーンである。

　さて、この原稿を書いている現在、本作の放映は最終回（第12話）を残すのみ。「魔法がつなぐ未来」（トラック35）、「四人の魔法」（トラック36）、「プリキュア・エクストリーム・レインボー！ —MIRAI DAYS version—」（トラック37）の３曲は、最終回用に、絵コンテに合わせたフィルムスコアリングで書かれた曲である。なので詳しく解説すると最終回の内容を明かしてしまう。それでは申し訳ないので、ここでは簡単な音楽解説にとどめることにしよう。
　「魔法がつなぐ未来」には前作の「月夜のめぐりあい」という曲が引用されている。「月夜のめぐりあい」は前作で印象深い、重要なシーンに流れた曲。それを引用する趣向は発注によるものではなく、高木洋のアイデアである。
　「四人の魔法」は最終決戦用の曲。ピアノ主体のやさしい曲調で始まり、後半からアップテンポに転じる。後半に引用されているのが2016年公開の劇場版『まほプリ』のために作られた挿入歌「キラメク誓い」（作曲・高木洋）のメロディ。これも高木のアイデアによるものだ。
　「プリキュア・エクストリーム・レインボー！ —MIRAI DAYS version—」は前作の３人合体技の曲「プリキュア・エクストリーム・レインボー！」をアレンジした曲。シーンの長さに合わせてリアレンジされているが、高木はここでも独自のアイデアを盛り込んだ。曲の終盤に『魔法つかいプリキュア！』のメインテーマ「魔法がひらく未来」のモチーフが登場するのだ。新作にはメインテーマをそのままアレンジした曲はない。最終回に流れるこの曲にメインテーマのモティーフが登場すれば、『まほプリ』の音楽としても完成するし、ファンもぐっとくるだろう。そんな発想で高木が作り上げた曲である。
　『魔法つかいプリキュア!!〜MIRAI DAYS〜』の音楽は、懐かしい『まほプリ』サウンドを継承した上で、８年間の音楽的な進化も感じさせてくれる、前作ファンも納得の作品である。単純に新曲として聴いても楽しめるが、前作のサントラを聴きこんでいる人なら、楽曲のそこここに、前作へのオマージュやリスペクトを感じ取ることができるだろう。
　特にアルバムの終盤にまとめられた最終回用の音楽を聴くと、前作にハマった人ほど、最終回がどうなるのか想像がふくらむと思う。想像と期待を胸に最終回を観れば、「こうくるか！」「やっぱりそうなるよね！」と楽しめるはず。そしてきっと、もう一度サントラ・アルバムを聴きたくなる。
　それを「音楽がかけた魔法のせい」と言うことはたやすい。しかし、その魔法はなんとなく発動したわけではない。前作モチーフの計算された引用、演奏・録音手法の再現など、ファンを感動させるだけの理由がある。それが魔法なのだ。

魔法つかいプリキュア!!〜MIRAI DAYS〜　オリジナル・サウンドトラック
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　お陰様でつい先日、『沖縄で好きになった子が方言すぎてツラすぎる（沖ツラ）』最終回まで納品完了。で、落ち着いて何を書（描）こうと考えたのですが——ま、『沖ツラ』本編話、頭からで……。
　取り敢えず「原作を１話21～22分×12本のＴＶシリーズにどう纏める？」、これに関して自分から提案したのは、

オリジナルを足して引き伸ばすのはＮＧ！　で、原作を“21～22分”集め１話分を作る（×12本）！

と決めて、田辺慎吾君（シリーズ構成・監督）へ渡しました。原作がマンガの場合、ページ数で尺を計りづらいもので、例えば“ラブコメ”は間を作れるけど、“コント”はテンポのために尺を削る。この『沖ツラ』の原作はどちらも面白いので、

“アニメ21～22分に収めるのに適正な本数”の原作を繋ぐ構成を！

と。結果、田辺案で出てきた構成も、１話に収める使用原作本数が２本のもあれば４本のもあります。それを「ここのエピソード順は～」とか「シーサーの指笛講座はＣパートに回して～」などといろいろ調整。
　で、ホン読み（脚本打ち合わせ）で田辺君を始め社内の演出陣の上げた脚本に司令塔として修正指示を出し、委員会のＯＫをもらいます。今回、自分が脚本に入っていないのは、前作『異世界でチート能力（スキル）を手にした俺は、現実世界をも無双する（＝いせれべ）』の作画リテイク作業と、スケジュール的に被っていたからです。ハッキリ言うと、

文字（テキスト）の修正（調整）より、作画の修正の方が時間が掛かるし人も選ぶから！

です（カチンときた人がいるかも知れませんが、本音の本音）。
　で、コンテ。これは前作『いせれべ』同様、全面的に修正・調整させてもらいました。半分以上描き直しはザラです。ウチはできるだけコンテは外に撒かない主義で、必然的にキャリアの浅いスタッフにコンテを切ら（描か）せるため、直しは全て俺が面倒を見ることになります。「コンテやりたい人～」と声を掛けて、挙手した人に「その代わり出来が悪かったら全修しますよ」と。
　『いせれべ』はある意味コンテ・デビューに対してのご祝儀代わりで、どれだけ直そうとスタッフ・クレジットでの連名は避けましたが、今回は本来の姿、身贔屓なしで全話連名。
　これは監督によって（もしくは会社によって？）違いはあると思いますが、自分は基本、

上げられたコンテがその担当者のモノとして独立した完成度に達していると判断し、必要最小限の監督修正で終わっていれば、連名にしません！

　だから、『いせれべ』のクレジットの方が異例で、今作の方が本物。これからはどうするか分かりませんが、いちばん早いのはスタッフが皆“一人前”になることでしょう。

　で、そろそろ次の打ち合わせの時間なので——って、あ、そうでした！　次の作品、

『キミと越えて恋になる』のＰＶが解禁になりましたので、是非観てください！

　以上。

　『沖縄で好きになった子が方言すぎてツラすぎる（沖ツラ）』のＯＰ話は、前回巻きかけて終わらせたところで、「次ＥＤの～」とも思ったのですが、それどころではない現状なので、今回はその“現状”の話。

ハッキリ言って、ラストの追い込み中でバッタバタ!!

です。この原稿を書いているデスクトップには、作画修正カットが並べられたクリスタ（CLIP STUDIO）が同時に開かれているくらい……。
　今作は総監督という一種総合的な監修職には到底止まらない仕事量です。まず当然、脚本・コンテのチェック、特にコンテは殆どの話数、半分以上直しています。あと、編集や音響対応も。
　そして何より作画！　今回役職名も“作画プロデューサー”とあるとおり、画直し（作監修正）の総指揮をとっています。コンテ時の演出意図に沿って作画スタッフ（メインアニメーター）に直しの指示をし、残ったカットは全部“俺が拾う”！　それを基本一発で修正しまくり、先に振った作画スタッフが手持ち分を終わらせられたら、こちらに戻ってもらい、ササっと入れた俺のラフを拾って修正してもらう、と。
　よって、全話半分近く（話数によっては以上）、板垣の画が何某かのっていることになります。つまり、各話ひととおり修正をのせられるように、どうとでも対応可能な自分が構えているのです。
　正直言うと、今の若いスタッフは我々世代より平均的に描くスピードが落ちているんです。あ、俺自身は決して手が速いほうではありませんよ。それはテレコム時代の先輩方ならよ～くご存じのはずです。その速くない俺から見ても、今の若手は“手が遅い”と感じます。
　もちろん、若手でも量産できるアニメーターもいるし、遅い人はそれなりの理由があるのも分かります。例えば、

ハイビジョンに耐えられる作画や、それに付随して各キャラの増え続けるパーツやディティール、そしてデジタル作画ツールに神経を多く使う分遅くなる！

というくらいのことを考慮した上ででも“遅い人”が増えているのは確かかと思います。他社の社長や制作プロデューサーらに訊いても同様の返答が返ってくるからです。「今の若いアニメーターは（描くのが）遅い」と。
　まぁでもウチは皆、社員給なので「まずは良い原画を描く」のが第一、そして「その上で手が速ければ尚良し」くらいに考えるようにしています。
　と言う訳で、また作画修正に戻ります！

　5月4日(日)に開催するのは「第237回アニメスタイルイベント アニメ様イベント2025 作った本・これから作る本」。アニメスタイル編集長小黒祐一郎(アニメ様は彼のニックネームです)のトークイベントです。

　今年で小黒はアニメ雑誌＆書籍の作り手として40年目を迎えます。それをきっかけに今までの40年で作った本を振り返り、本作りのこだわり等について語ります。そして、これから作る本についてもお話する予定。なお、トークの内容は過去の小黒のイベントと重複する部分があるはずです。あらかじめご了承ください。
　トークの聞き手はプロデューサーであり、元アニメ雑誌編集者であった高橋望さん、脚本家の大河内一楼さんにお願いします。チケットは3月15日(土)正午12時から発売。購入方法については阿佐ヶ谷ロフトAのサイトをご覧になってください。

　今回のイベントもトークのメイン部分に関してネット配信を行います。配信はリアルタイムでLOFT CHANNELでツイキャス配信を行い、ツイキャスのアーカイブ配信の後、アニメスタイルチャンネルで配信します。なお、ツイキャス配信には「投げ銭」と呼ばれるシステムがあります。「投げ銭」による収益は出演者、アニメスタイル編集部にも配分されます。アニメスタイルチャンネルの配信はチャンネルの会員の方が視聴できます。
　今回のイベントは配信しないパートが、普段のイベントよりも長めになるかもしれません。

■関連リンク
告知(LOFT)　　https://www.loft-prj.co.jp/schedule/lofta/311680
会場＆配信チケット(LivePocket)　　https://t.livepocket.jp/e/dozyy
配信チケット(ツイキャス)　　https://twitcasting.tv/asagayalofta/shopcart/363627

　腹巻猫です。３月22日に神保町・ブックカフェ二十世紀で開催されるイベント「サウンドトラック☆スクエア」に出演します。サントラ専門店「ARK SOUNDTRACK SQUARE」が主催する音楽とトークのイベントです。今回は2020年から2025年のあいだに海外・国内でリリースされたサントラ盤の中から名盤・注目盤を厳選して紹介しようという企画。アニメ音楽が取り上げられるかどうかわかりませんが、サウンドトラック、特に映画サントラに興味のある方はぜひどうぞ。詳細は下記を参照ください。
https://arksquare.net/jp/news/2025/02/20250215.php

　劇場アニメ『ベルサイユのばら』の音楽について語ってみたい。
　今さら説明するまでもないと思うが、原作は池田理代子が1970年代に発表したマンガ史に残る名作。将軍家の娘として生まれた男装の麗人オスカルとフランス王妃マリー・アントワネットの２人を中心に、フランス革命に向かう激動の時代を生きた人々の愛と自立と戦いを描いた作品だ。70年代には宝塚歌劇、実写劇場作品、ＴＶアニメになって人気を博した。それを現代の劇場アニメとしてリメイクしたのが本作である。なお、公式サイトでは「劇場アニメ『ベルサイユのばら』」の表記で統一されているので、本稿でもそう表記することにする。
　正直に言うと『ベルサイユのばら』をアニメでリメイクすると聞いたときは、あまり期待しなかった。筆者はＴＶアニメ版のファンで、2016年に「ベルサイユのばら　音楽集［完全版］」の企画をメーカーに持ち込んで、構成・解説を手がけたくらい（このアルバムは現在、配信で聴くことができる）。しかし、音楽を澤野弘之が担当すると聞いて、がぜん興味がわいた。
　『ベルばら』に澤野弘之の音楽！　激しいロック調の曲や『進撃の巨人』みたいなコーラス入りの重厚な曲が流れるのか？　絢爛豪華でパワフルなアニメになるかもしれないと想像がふくらんだ。
　結論から言えば、劇場アニメ『ベルサイユのばら』は筆者が期待していたものとは違っていた。絢爛豪華でパワフルというよりはポップでロマンティックな印象である。しかし、「こういうのもありだな」と思った。
　驚いたのは音楽の演出。劇中に15曲もの挿入歌が流れる。ユニークで大胆なアプローチの作品だった。
　あらかじめ言っておくと、本作はいわゆる「ミュージカル映画」ではない。ミュージカル映画では、登場人物が劇中で歌い始める。本作にはそういう場面もいくつかあるが、それはどちらかといえば例外で、歌が流れるシーンの大半は、ミュージックビデオのようなイメージ映像になっている。「ミュージカル映画」というより「音楽映画」だ。本作のユニークなところである。
　劇中に15曲もの挿入歌が流れることには、それなりの必然性がある。
　本作は約２時間の尺。そこに原作の物語を詰め込んでいるから、展開が駆け足になるし、省略されたエピソードも多い。キャラクターの秘めた心情や心境の変化などが観客に伝わりにくい。そこで効果を発揮するのが挿入歌だ。歌がキャラクターの心情を代弁し、映像で描ききれなかった想いを伝える。役割としてはミュージカル映画の劇中歌と同じである。
　では、なぜキャラクターが歌うミュージカル映画にしなかったのか？　監督の吉村愛はインタビューでこう語っている。
「曲を聴いてキャラクターが歌い出すミュージカル形式は苦手な人もいるので、アニメのオープニングやエンディングのような映像表現とともに曲が流れてくる形にしたかったんです」
　たしかに、登場人物が突然歌い出すミュージカル演出は、うまくやらないと不自然になり、コミカルにも見えてしまう。本作にも登場人物が歌っているように演出されている場面がいくつかあるが、「なんで歌ってるの？」と雑念がわいて作品に入りこめなかった。いっぽうミュージックビデオ的に演出されているシーンは、余計なことを考えずに雰囲気にひたることができる。歌とイメージ映像を心地よく楽しみながら、脳内でドラマを補完し、気分を盛り上げることができるのだ。
　本作における挿入歌は、映像的・音楽的な見せ場と作るとともに、映像で語り切れない情感とエピソードを補うしかけである。もしこの作品に歌がなかったら、ただ駆け足に物語をまとめただけの印象になっていただろう。

　音楽は澤野弘之とKOHTA YAMAMOTOの共作。澤野弘之が全体の音楽プロデュースと挿入歌の作・編曲を担当し、KOHTA YAMAMOTOがインストゥルメンタルの劇伴を担当している。劇伴の中に澤野が作曲した挿入歌のメロディがちりばめられた構成だ。
　澤野弘之のインタビューによれば、本作の音楽制作に取りかかったのは５年ほど前（つまり2020年頃）。挿入歌作りから先行して進めたという。澤野はインタビューの中で「クラシカルなアプローチの楽曲ではなく、POPS＆ROCKを取り入れた現代的なサウンドにしてほしいというオーダーだったので、それぞれシーンごとに必要な楽曲の方向性やサウンドイメージなどが書かれた音楽メニューをもとに制作していきました」と語っている。
　いっぽうKOHTA YAMAMOTOは、2022年春に監督（吉村愛）、音響監督（長崎行男）、澤野弘之と打合せをし、劇伴制作を開始した。澤野弘之による挿入歌のデモがすでにできあがっていて、挿入歌のメロディを組み込んだ劇伴と、それとは別にオリジナルで制作する劇伴のオーダーを受けたという。作曲は絵コンテをベースに映像にタイミングを合わせたフィルムスコアリングのスタイルで進められた。澤野弘之の楽曲がポップス＆ロック志向なのに対し、KOHTA YAMAMOTOはオーケストラ楽器を主体にしたクラシカルなアプローチの曲が多いのが特徴だ。
　結果的にポップス＆ロック的な楽曲とクラシック的な楽曲が共存する、現代の『ベルばら』音楽と呼ぶにふさわしい音楽になったと思う。宝塚歌劇版とも実写版ともＴＶアニメ版とも異なる、新たな『ベルばら』サウンドの誕生である。
　本作のサウンドトラック・アルバムは、挿入歌を収録した「Song Collection from The Rose of Versailles」と劇伴を収録した「The Rose of Versailles Original Soundtrack」の２タイトルが、2025年2月26日にエイベックス・ピクチャーズよりＣＤと配信で同時リリースされた。
　収録曲は下記商品紹介ページを参照。

「Song Collection from The Rose of Versailles」
https://verbara-movie.jp/discography/detail.php?id=1020677

「The Rose of Versailles Original Soundtrack」
https://verbara-movie.jp/discography/detail.php?id=1020676

　「Song Collection」には挿入歌15曲のフルサイズと10曲のMovie Edit版（劇中バージョン）を収録。15曲の挿入歌はすべて劇中で使用されている。
　「Original Soundtrack」は全31曲をストーリーに沿った曲順で収録。こちらには歌は収録されていない。「Song Collection」の曲と「Original Soundtrack」収録曲を組合せれば、本編で流れた音楽を再現することができる（ただし絢香が歌うエンディング主題歌「Versailles —ベルサイユ—」は別売）。
　以下、印象的な曲をピックアップして紹介しよう。
　オープニングに流れる挿入歌「The Rose of Versailles」は本作のメインテーマ。オスカル、マリー・アントワネット、フェルゼン、アンドレの４人が歌う曲だ。オープニングでこの曲が流れてきたとき、「うわー、こう来たか！」と思った。『ベルばら』の歌というとドラマティックに歌い上げるイメージがあるが、「The Rose of Versailles」は思い切ってポップで明るく華やかな曲調。４人のキャラクターが歌うことで「この作品は４人の物語」という宣言にもなっている。
　劇中にはこの曲をアレンジした曲がいくつも登場する。冒頭に流れる劇伴「The Rose of Versailles 〜Prologue〜」や新たな国王の誕生をパリ市民たちが祝福する場面の挿入歌「Our King and Queen」は、フランスの繁栄の象徴のように使用されている。
　いっぽう、同じメロディをアレンジした挿入歌「Anger and pain」は、王政に対する市民の怒りを表現する曲として流れる。そして、物語終盤に流れる劇伴「フランス革命」や「自由・平等・友愛」では、フランス革命の象徴として、このメロディが使用される。
　作品が展開するにつれて、同じメロディが異なる意味を持った曲に変化していく。実にみごとでドラマティックな音楽設計である。
　「Ma Vie en Rose」はマリー・アントワネットが歌う挿入歌。フランス王室に輿入れしたアントワネットの天真爛漫さを描写する曲として流れている。このメロディも劇伴に形を変えて登場する。ルイ16世とアントワネットの初対面の場面に流れる「花嫁・アントワネット」、フェルゼンが去ったさみしさを放蕩と贅沢でまぎわらすアントワネットの場面に流れる「放蕩の妃・アントワネット」などだ。
　アントワネットとフェルゼンが歌う「Resonance of Love」は、４年の時を経て再会した２人があふれ出る想いをこらえきれずに抱き合う場面に流れた挿入歌。アントワネットとフェルゼンの愛のテーマである。このシーンも華麗な（少女マンガ的な）ミュージックビデオ風に演出されていて、アニメならではの名場面になっていた。注目してほしいのは、挿入歌が流れる前に同じメロディを使った劇伴「フェルゼンの謁見」と「アントワネットとフェルゼン」がすでに劇中に使われていること。劇伴が挿入歌の予告もしくは伏線になっているのだ。
　オスカルが歌う挿入歌「心の在り処」は複雑な心情を歌った曲である。恋のよろこびを初めて知ったというアントワネットの想いを聞き、オスカルは自分が信じていた価値観（男として生きてきた生き方）がゆらぐように感じてショックを受ける。オスカルが父から結婚を奨められて動揺する場面に流れる挿入歌「Return to nothing」はこの曲の変奏だ。「悩めるオスカルのテーマ」とでも呼ぶべきモチーフである。
　自分がフェルゼンに惹かれていることに気づいたオスカルは、ドレスに身を包んだ美しい女性として舞踏会場に現れる。フェルゼンに声をかけられたオスカルはそれで満足し、自分の気持ちをふっきるのだが、本作ではその描写はない。代わりに流れるのが挿入歌「Believe in My Way」だ。歌はオスカルの独唱で始まり、劇中で描かれなかったオスカルの想いが語られる。続いてアントワネットが、フェルゼンが、アンドレが歌い継いで、それぞれが信じる「自分の道（My Way）」を語る。最後は４人がそろって歌う合唱となって終わる。中盤のハイライトと呼べる挿入歌である。
　数ある挿入歌の中でも４人が歌う歌は「The Rose of Versailles」とこの「Believe in My Way」だけ。「The Rose of Versailles」が作品全体のメインテーマだとすれば、「Believe in My Way」は４人の心を表現した愛のテーマと言えるだろう。
　また、この歌は物語の前半を締めくくる曲でもある。この歌が流れたあと、貧困に苦しむパリ市民たちが描写され、物語は革命に向けて急展開していくのだ。
　革命に向かってパリ市民やオスカルの心境が変化していく場面では、KOHTA YAMAMOTOがオリジナルで（挿入歌のメロディを使わずに）書いた劇伴が重要な役割を果たしている。重苦しい曲調でパリ市民の憤りを表現する「怒れる市民」、自由の尊さを知ったオスカルが市民に寄り添おうと決意する場面の「決意のオスカル」、合唱とオーケストラが崩壊寸前の王室とパリを描写する「絶望の都・パリ」など。前半とは対照的な暗く切迫した雰囲気で作品を彩っているのがKOHTA YAMAMOTOによる劇伴である。
　KOHTA YAMAMOTO自身が「気に入っている曲」と語るのが、「ルイ16世と真実」と「ジェローデル・愛の証」の２曲だ。「ルイ16世と真実」は、密告の手紙によってアントワネットとフェルゼンの仲を知ったルイ16世が自分の想いを王妃に語る場面に流れる曲。「ジェローデル・愛の証」はオスカルのアンドレへの想いに気づいたジェローデルがオスカルとの結婚をあきらめ身を引く場面に流れる曲。どちらもキャラクターの繊細な心情が描かれたシーンである。KOHTA YAMAMOTOはピアノやストリングスを使ったクラシカルな曲調で、それぞれの切ない気持ちを表現する。ルイ16世とジェローデルが歌う挿入歌は作られていないが、２人もまた愛に生きる登場人物なのだと思わせてくれる音楽だ。
　オスカルが歌う挿入歌「Child of Mars」は、オスカルが父に「私は軍神マルスの子として生きましょう」と宣言する場面に流れた曲。終盤でオスカルが市民とともに戦う場面には、この曲を変奏した挿入歌「Liberation」（歌唱は澤野弘之作品と縁の深いアーティスト・Tielleが担当）が流れる。「心の在り処」が「悩めるオスカルのテーマ」なら、こちらは「戦うオスカルのテーマ」である。
　オスカルとアンドレの愛のドラマのクライマックスは、２人が結ばれる場面。２人が歌う挿入歌「夜をこめて」が万感の思いを表現する。その直前の場面には同じメロディの断片を含んだ劇伴「アンドレ・グランディエの妻に」が流れていた。ドラマからスムーズに歌につなげていくミュージカル的な演出である。
　先に書いたように、ラストシーンに流れるのは「The Rose of Versailles」をアレンジした劇伴「自由・平等・友愛」だ。オープニングでは華やかに歌われたメロディが、ラストではピアノとストリングスによるしっとりとしたアレンジで演奏される。劇中にこのメロディがたびたび登場するから、観客の脳裏にはここに至るまでの物語の記憶が走馬灯のようにちらつく。この場面は観ていてぐっときてしまった。

　こんなふうに、本作の音楽は挿入歌と挿入歌、挿入歌と劇伴が密接に連携し、さらに劇伴が隙間を埋める形で構築されている。２時間の作品に15曲もの挿入歌が流れても散漫な印象を受けないのは、音楽全体が緻密に構成されているからだろう。
　劇場アニメ『ベルサイユのばら』は現在も映画館で上映が続いている。筆者の印象だが、気に入ったら２度、３度と劇場に足を運ぶリピーターが多い気がする。一度観ただけでは挿入歌の歌詞は頭に入らない。パンフレットに掲載された歌詞を読み、ソングアルバムやサウンドトラックを聴いて、また劇場に向かうファンが多いのではないか。そうすることで、よりキャラクターの心情に共感でき、作品で描かれなかったエピソードを想像で埋めることができるからだ。
　多彩なキャラクターが登場する『ベルサイユのばら』の物語を２時間にまとめることは難しく、説明不足だと思うところもあるし、細かい点で不満がないわけではない。が、歌を軸に構成する本作のアプローチは、予想以上にうまくいっている。『ベルばら』音楽史に新たな名曲が加わった。こういうアニメ版『ベルばら』もいいと思う。

Song Collection from The Rose of Versailles
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The Rose of Versailles Original Soundtrack
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　第890回から続き、『沖縄で好きになった子が方言すぎてツラすぎる（沖ツラ）』ＯＰ話。

c-023　手拍子、1つの素材を、肌色変えて３人に！　こういう費用対効果をコンテ段階で考えるの好きです。篠（衿花）さん作監で締めてもらいました。
c-024　こちらのチョンダラー喜屋武さんも、委員会からは「素顔の方が～」と提案されましたがお断りしました。コンテにラフを足したものを森（亮太）君に原画化してもらい、俺の方で作監を。なぜか最後にシーサーに寄るの、個人的に気に入っています。
c-025　横アングル踊り、ラスト「あ、てーるーだ！」の比嘉さん。原画・市川（真琴）さん、作監・板垣。
c-026　これは篠さんによる直原画＝作監不要。ただし、ラフ段階で俺の方から「手と腰の動き、大きく～」と参考ラフを入れてから清書に入ってもらいました。
c-027　下地・上間・鉄～これもただの歩きではなく、実はダンスの振り付け。同様に篠原画＝作監不要。
c-028　比嘉姉妹。可愛いのはいいけど、やや頭身が低いかも。これも篠原画＝作監不要。
c-029　ようやくすっぴんの喜屋武さんダンス～サブキャラ大集合。コンテを基にラフ足し～タイミング付けまでして、あと篠さん。この辺数カットは本当に助けてもらいました。
c-030　踊るてーるー、アオリ。原画・市川、作監・板垣。「アオリパースがうまく描けない～」とのことでたくさん修正入れました。
c-031　踊る比嘉さん、俯瞰。原画・市川、作監・板垣。コンテ時はもっとニコやかに。自分描いたのですが、委員会チェックより「比嘉さんなので、抑えて」と。
c-032　これも一応ダンスの振り付け。それを“誇張”させて飛ばしました！　コンテでは靴を履かせてたのですが、こちらも「ベンチに土足は止めて」で、裸足に。「だったら、島ぞうり焼けは必須ですよね！」と俺。ラフ原・板垣、二原・市川、作監・板垣。
c-033・034・035　メインタイトル（c-036）に、てーるー・比嘉・喜屋武それぞれのダンスのインサート。全て、原画・市川、作監・板垣。特筆すべきはc-033の比嘉さんのハイビスカスポーズ（？）、市川さんが良い仕事しています！　動きはそのまま使って、自分はベタで作監修正のせただけ。
c-037　ラスト皆でシーサーポーズで締め！　は板垣の一発原画！　でしたが、委員会より「もう少し年齢上げて」とのリテイクで描き直したので、結局二発原画？

　時間なくて駆け足、且つ短くてすみません（汗）、また来週で……。

　3月23日(日)に開催する上映プログラムは「【新文芸坐×アニメスタイル vol.187】アバンギャルドアニメーションの傑作 『傷物語 -こよみヴァンプ-』」です。

　 西尾維新の小説「傷物語」を映像化したのが『傷物語〈I 鉄血篇〉』『同〈II 熱血篇〉』『同〈III 冷血篇〉』の三部作です。それを再構成して、1本の長編アニメーションにまとめたのが、この『傷物語 -こよみヴァンプ-』となります。
　『傷物語 -こよみヴァンプ-』は娯楽作でありつつ、全編に渡って作り手の美意識が貫かれた尖鋭的な作品です。映画館の大スクリーンと音響で楽しんでください。

　トークのゲストは尾石達也監督です。ご自身の創作に関するルーツやスタンス、「傷物語」映像化の狙いなどについてうかがいます。聞き手はアニメスタイルの小黒編集長が担当。

　なお、「傷物語」は〈物語〉シリーズの作品ですが、〈物語〉シリーズの第一作である「化物語」の前日譚となります。同シリーズを未見の方でも理解できるはずです。

　チケットは3月16日(日)から発売。チケットの発売方法については新文芸坐のサイトで確認してください。

●関連リンク
新文芸坐オフィシャルサイト
http://www.shin-bungeiza.com/

新文芸坐オフィシャルサイト(『傷物語 -こよみヴァンプ-』情報ページ)
https://www.shin-bungeiza.com/schedule#d2025-03-23-1

YouTubeのＴＭＳアニメ公式チャンネルで、『バーチャファイター』の全話配信中！

　で、自分がテレコム（・アニメーションフィルム）時代に動画を描いたところを見つけて遊んでいました（仕事の息抜きです）。

30年前の作品でも、結構憶えているモノです、自分の描いた動画は！

　動画の箇所を憶えているということは、原画担当者も憶えているということです。青山（浩行）さんの作監修正とかも。
　テレコムが担当したのは#08、#10、#13、#17の計４本。動画としては４本全て入っていたはずですが、スタッフロールに載せられる人数に制限があり、確か俺の名前は#10と#17で載っていたかと。その内#17は“坂垣伸”と誤植でガッカリ……（汗）。
　当時のテレコムは社内動画のカットが棚に並べられていて、好きに選べるシステムだったので、俺は好きなアクションシーンばかり狙って動画にしていました。前述の青山浩行さんだけでなく、八崎健二さん、川口隆さん、西見祥示郎さん、赤城博昭さん、そして田中敦子さん、今でも信じられないくらい巧い方々が、自分の先輩としてテレコムにはいっぱいいらっしゃいました。その巧い原画を動画にすることで様々な作画テクニックを学ばせていただいたのが『バーチャファイター』。想い出深い新人時代の作品で、ジブリ作品の動画と同じくらい貴重な時間でした。
　さらにＴＭＳ公式では

シリーズの『ベルサイユのばら』も全話配信中！　出﨑統監督作品!!

仕事中の息抜きで、こちらも駆け抜けています。ありがとう、ＴＭＳ公式様！　できたら『モンスターファーム』の全話もお願いします！　こちらは自分が“原画”を楽しんだ作品で、昔ＶＨＳに録画していたものがもう観れなくなっています。久々に観たい～！

　短くてすみません（汗）、また来週で……。

　腹巻猫です。『宇宙戦艦ヤマト』（1974）放送50周年を記念して、昨年から今年にかけてさまざまなイベントが開催され、新商品が発売されています。そのひとつに、昨年12月にリリースされたアルバム「交響組曲　宇宙戦艦ヤマト　2024mix」がありました。1977年に発売された「交響組曲　宇宙戦艦ヤマト」をオリジナルマスターに遡ってニューミックスしたアルバムです。
　ポイントは「リマスター」ではなく「ニューミックス」である点。
　両者はどう違うのか？　完成したアルバムと旧盤の違いは？　結局どっちがいいの？
　そこを語ってみたいと思います。

　「交響組曲　宇宙戦艦ヤマト」は、ＴＶアニメ『宇宙戦艦ヤマト』（1974）の音楽を作曲者の宮川泰自身がオーケストラ用にアレンジし、選りすぐりのミュージシャンの演奏によって録音したアルバムである。演奏・構成ともにすばらしい名盤で、アニメ音楽アルバムの金字塔として、当コラムの第１回でも取り上げた。このアルバムを聴いてアニメ音楽にのめり込んだという人も多いだろう。本作のヒットでアニメ音楽の商品化が一気に進んだことから、アニメ音楽ビジネスのターニングポイントとなった作品とも言える。
　それだけ人気があり重要なアルバムなので、ＣＤ時代になってもくり返し再発売が行われ、リマスターも何度かされている。
　しかし、今回の「2024mix」は過去のリマスター盤とは根本的に異なる商品である。それを理解してもらうためには、マスタリングとミックスの違いを説明しておく必要がある。
　マスタリングとは、レコードやＣＤ、配信用音源等の制作時に必ず行われる工程で、ひとことで言えば、録音した音源を聴きやすいように、また、よりよく聞こえるように調整する作業である。音量の調整やノイズ取りを行い、ときには、エコーを加えたり、特定の楽器の音を目立つようにしたり、コンプレッサーで音を圧縮して音量差を整えたりする。マスタリングを行うエンジニアの手腕によっては、曲の印象は驚くほど変わり、それは曲の評判にも影響する。音楽を商品化する上で欠かせない重要な工程である。
　ただ、マスタリングでできることは基本的にマスターに含まれている情報を引き出すことで、まったく別の音源を作り出すことはできない。アニメーションにたとえると、フィルム（もしくは映像データ）に記録された映像の彩度やコントラストを調整したり、カラーバランスを整えたり、ゴミ取りをしたりし、お色直しを行うのがマスタリングにあたる。リマスタリング（リマスター）とは、このマスタリングをやり直して、新たなマスターを作り出すことである。
　いっぽうミックスとは、マルチトラックレコーディングされた音源を組み合わせて、ひとつのマスターを作り出す工程である。マルチトラックレコーディングとは、大ざっぱに言えば、楽器ごとにトラックを分けて録音すること。弦楽器、金管楽器、木管楽器、リズム、ボーカルなどを別々のトラックに記録しているので、個別に音量を変えたり、加工したり、演奏ミスのある部分をミュート（無音に）したり差し替えたりすることが可能だ。ミックス工程では、各トラックの音量や定位（音が聞こえてくる位置）を決め、２チャンネル、または5.1チャンネルなどにまとめてマスター音源を作成する。
　ニューミックスとは、マルチトラック音源にさかのぼってミックスをやり直すことである。トラックごとの音量や定位、採用する演奏のテイク、音を重ねるタイミングなど、根本的なサウンドデザインを変えることができる点がリマスターとの大きな違いだ。アニメーションにたとえると、キャラクターや背景などの素材を組み合わせて再撮影を行ったり、撮影した映像素材をもとに再編集を行ったりするのがニューミックスにあたると言ってよいだろう。
　なお、「ニューミックス」と同じ意味で「リミックス」という言葉が使われることがあるが、「リミックス」は既存の音源を加工・編集して新たな曲を作り出すことにも使われるので（ダンス用にリズムトラックを加えたり、曲をループさせたりした「ダンスミックス」など）、本稿では「ニューミックス」と呼ぶことにする。

　「交響組曲　宇宙戦艦ヤマト　2024mix」は、日本コロムビアが保管していたオリジナルのマルチトラックテープをデジタル化し、ニューミックスを行ったアルバム。過去のリマスターアルバムとは異なる次元でのサウンドのリニューアルを実現している。
　とはいえ、その作業はなかなか大変だったそうだ（アルバムのライナーノーツなどからの情報）。というのも、今回のニューミックスの趣旨は、旧アルバムに忠実に、音質の向上を目指すこと。音を足したり引いたり、別テイクを採用したり、音のタイミングを変えたりして別バージョンを作るのではなく、基本的に音量や定位などは旧盤と大きく変えずに仕上げることが求められた。これがなかなか難しいのである。というのは、オリジナル盤のミックスを行ったときのトラックごとの音量・定位や採用するテイクなどの情報が残されているならよいが、それがない場合は、参考音源（今回の場合はオリジナル・レコードマスター）を再生して、人の耳で判断し、再現するしかない。筆者もかつて「ベルサイユのばら　音楽集［完全版］」の制作時に同様のニューミックス作業に立ち会ったことがあるが、職人的な技と耳のよさが必要な作業だった。
　今回は1977年に録音された16チャンネル磁気テープを使用してのニューミックス。まず、テープを再生できる状態にし、テープの劣化による歪みやノイズを除去するなどの手間がかかっている。さらに、本作はマルチトラックレコーディングとはいえ、楽器ごとに分けて録音するのではなく、スタジオにミュージシャンを集めて「せーの」で一斉に演奏して録音している。楽器セクションごとマイクを立てて録音しているのだが、防音のためのパーティションを置いたにしても、弦のトラックに木管の音がもれて小さく録音されているといったケースがしばしばある。その音もれをデジタルで可能な限り除き、さらに楽器ごとの周波数特性を利用して、１トラックにまとめられている音をさらに細分化してトラックを分けるといったことも行っているのだ。
　「2024mix」は、大変な手間をかけて作られた、こだわりの詰まったアルバムなのである。
　本アルバムは、オリジナルＬＰの発売日に合わせた2024年12月25日に、日本コロムビアからＣＤとアナログレコードと配信でリリースされた。配信は通常配信、ハイレゾ配信、空間オーディオの３種類。好みのメディアを選ぶこともできるし、複数購入して聴き比べることも可能だ。
　収録曲は以下のとおり。

　　01. 序曲 2024mix
　　02. 誕生 2024mix
　　03. サーシャ 2024mix
　　04. 試練 2024mix
　　05. 出発 2024mix
　　06. 追憶 2024mix
　　07. 真赤なスカーフ 2024mix
　　08. 決戦〜挑戦＝出撃＝勝利〜 2024mix
　　09. イスカンダル 2024mix
　　10. 回想 2024mix
　　11. 明日への希望〜夢・ロマン・冒険心〜 2024mix
　　12. スターシャ 2024mix

　ＬＰレコードでは、オリジナル盤どおり01〜06がＡ面、07〜12がＢ面に収録されている。
　先に書いたとおり、本アルバムのオリジナル盤については当コラムで一度取り上げたことがある。そこで今回は、オリジナル盤と2024mixとの聴き比べをしてみたい。なるべく条件をそろえて聴き比べるために、ソースとして24bit/96kHzでマスタリングされたハイレゾ音源を使用する。2014年８月６日にリリースされた「交響組曲　宇宙戦艦ヤマト」のハイレゾ配信音源と今回の「交響組曲　宇宙戦艦ヤマト 2024mix」ハイレゾ配信音源である。
　全曲を聴くと長くなるので、次の４曲を聴き比べてみよう。

　　01. 序曲
　　05. 出発
　　07. 真赤なスカーフ
　　09. イスカンダル

　まず「序曲」。タイトルどおり、アルバム全体の導入となる曲で、クラシック風の格調高いサウンドにアレンジされている。宇宙の神秘を描写するテーマから始まり、女声スキャット（川島和子）による「無限に広がる大宇宙」のメロディが登場。さまざまに変奏されたあと、最後に主題歌「宇宙戦艦ヤマト」のモチーフが短く奏されて終わる構成。
　演奏が始まると、木管と弦楽器が合奏する出だしの部分から印象が違うことに驚く。2024mixではバックのピアノとパーカッション、ベースの音がオリジナル盤よりはっきりと聞こえる。音の分離がよく、楽器それぞれの音が明瞭になっている。
　川島和子のスキャットが始まる部分では、オリジナル盤よりも音（声）の立ち上がりが鮮やかだ。音の広がりと音量もオリジナル盤より強調されている。オリジナル盤はスキャットとオーケストラが溶け合っていたが、2024mixはスキャットを前面に出した音作り。「この曲ではスキャットが主役」、そんな意図を感じる。
　終盤の主題歌のモチーフが現れる部分は、オリジナル盤よりリズムがはっきり聞こえ、ダイナミックな印象を受ける。
　「序曲」を聴いただけでも、2024mixは、全体にオリジナル盤よりもメリハリのあるクリアな音になっていることがわかる。
　続いて４曲目の「出発（たびだち）」。第３話ラストのヤマト発進シーンに流れたＢＧＭ「地球を飛び立つヤマト」をアレンジした曲である。
　オリジナル盤のライナーノーツで宮川泰が、この曲はポール・マッカートニーの曲「００７　死ぬのは奴らだ」からヒントを得たと語っている。「００７　死ぬのは奴らだ」は同名劇場作品の主題歌で、流麗なメロディとたたみかけるようなリズムを１曲の中に盛り込んだロックオーケストラ風のナンバーである。
　「出発」のオリジナル盤はオーケストラの演奏にロックのリズムが加わった印象だった。2024mixでは、よりロック色の強いサウンドになっている（気がする）。
　20秒ほどの序奏のあとに現れるロック的なリズムのパート。2024mixではリズムを刻むエレキギターとエレキベースがオリジナル盤よりしっかり聞こえる。続いて、木管と弦楽器がメロディを奏で始めるが、その後ろで鳴っているリズムも2024mixのほうが明瞭だ。オーケストラとリズムが絡みあい、しだいにテンポアップしていく中間部では、2024mixのほうが、ドラムの音がオーケストラに負けない音量で聞こえることに注目したい。オリジナル盤以上に「ロックオーケストラ」を感じさせるミックスになっている。原曲の「地球を飛び立つヤマト」はこんな音だったなあと思い出す。
　次は７曲目の「真赤なスカーフ」。エンディング主題歌「真赤なスカーフ」を大胆に料理した、宮川泰の名アレンジが味わえる１曲である。
　序盤は弦合奏による悲し気なアレンジ。一瞬の静寂ののち、ラテンミュージック風にアレンジされたテーマが始まり、空気が変わる。この部分はオリジナル盤より2024mixのほうが、リズムのはっきりした力強いサウンドになっている。金管やピアノの音がオリジナル盤より目立って聴こえるのも特徴。後半のトランペットソロとギターソロも、2024mixは、それぞれのソロ楽器が主役らしく前に出て演奏している印象だ。
　2024mixは、オリジナル盤よりリズムセクションやソロ楽器の音が立った、パンチのあるサウンドになった。「宮川泰が聴かせたかったのはこういう音だったのかな？」と思わせる。
　そして９曲目の「イスカンダル」。これも宮川泰らしいイージーリスニング風の１曲。イスカンダルのテーマとして使用されたＢＧＭ「美しい大海を渡る」のアレンジ曲である。
　序奏部はアルトフルートがテーマを奏でる。2024mixではバックのピアノやビブラフォンなどによるふわふわした音がオリジナル盤より大きく聞こえ、幻想的なイメージが強調されている。それに続く弦合奏主体のパートでは、やはりバックのビブラフォンやベースの音が明瞭に聞こえ、ポップスオーケストラ的なサウンドが堪能できる。
　ゴージャスなストリングスの音はオリジナル盤も2024mixも甲乙つけがたく、ふくよかなオリジナル盤か、輪郭のくっきりした2024mixか、好みが分かれるところかもしれない。オリジナル盤は柔らかく、温かみのあるサウンド。2024mixはポップス的なカラフルなサウンド。そんな違いが感じられる曲だ。

　全体として、オリジナル盤では背景に埋もれていた音が2024mixではくっきりと聞こえるようになり、クリアな音が楽しめるようになっている。何度も聴いているアルバムなのに、2024mixを聴きこむと「こんな音が鳴っていたのか」「こんなアレンジだったのか」と新たな発見がある。
　ミックスの方向性としては、基本的にオリジナル盤を踏襲しつつ、各楽器の音を粒立たせ、リズムをしっかり聞かせる音作りになっている。オリジナル盤と比べると、ベールが１枚とれたような、画像にたとえるなら彩度とコントラストが一段上がったような鮮明感がある。
　では、2024mixはオリジナル盤より音がよくなったと言ってよいのだろうか？　そうも言えるが、そう単純ではない。そもそも「音がよい」というのは個人によって基準の違う主観的なものである。好みや聴覚の差や環境など、さまざまな要因に左右される。そしてもうひとつ、「音楽にとって音がよいとは何か？」という問題がある。
　オリジナル盤はさまざまな楽器の音が溶けあい、音の雲がふわっと飛んでくるような印象を受ける。それを「音の分離がよくない」ととらえる人もいるかもしれない。が、筆者はホールでオーケストラの生演奏を聴くのに近いサウンドだと思う。コンサートやライブで生演奏を聴くとき、われわれはまわりの空気も同時に感じ取っている。楽器から出た音は空間の中でまじりあい耳に届く。作曲家は、たとえばフルートとクラリネットを同時に鳴らして、楽器単体では出せない音を聞かせようとする。画家がパレットの上で絵の具をまぜるように。音が分離して聞こえないことが作曲家の意図に沿っていることもあるのである。また、オーケストラの生演奏を聴いていると、オーケストラ全体がまるでひとつの楽器として鳴っているように聴こえる瞬間がある。それが生演奏を聴く醍醐味のひとつだ。オリジナル盤のサウンドは、そんな生演奏の空気感を体験させてくれる。
　いっぽう2024mixは、スタジオ録音で作る現代のポピュラーミュージックのサウンドに近い。ひとつひとつの楽器の音をクリアにし、ソロの音は前に出し、リズムもしっかり聴かせる。そうすることで、目の前でミュージシャンが演奏しているような迫力と臨場感を味わえる。ミュージシャンのテクニックや個性も聴き取ることができる。どんなアレンジになっているか分析的に聴きたい人にとってもありがたい音作りである。
　オリジナル盤と2024mixのサウンドの違いは、技術的な進歩と同時に、クラシック志向かポップス志向かといった違いが反映されているようだ。それは、スピーカーで音楽を聴いていた時代とヘッドフォンやイヤフォンで音楽を聴く時代のサウンドの違いと言えるかもしれない。
　「交響組曲　宇宙戦艦ヤマト 2024mix」はオリジナル盤に代わる新たなマスターになるのだろうか。
　そうではないと思う。2024mixは「交響組曲　宇宙戦艦ヤマト」のマスターに新たに加わったバリエーションのひとつと考えたほうがよいだろう。どちらがよいとか、すぐれているとか、言い切ることはできない。どちらを選ぶかは、好みの問題なのだ。筆者は、リラックスして聴きたいときはオリジナル盤、気分をアゲたいときは2024mixと、その日によって聴くバージョンを変えて楽しんでみたい。
　ひとつ言えることは、ニューミックスのためにマルチトラックテープを蔵出しし、アーカイブしたことは大きな意義があるということだ。今回保全された音源から、また新たなミックスが作られる可能性が広がった。音楽遺産を後世に残していく意味でも、すばらしい仕事であり、商品である。当コラムで「交響組曲　宇宙戦艦ヤマト」のオリジナル盤を取り上げたとき、「永遠のマスターピース」とタイトルをつけた。2024mixはそこに追加された新たなピースである。

交響組曲 宇宙戦艦ヤマト 2024mix
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　第886回からの続きで“ＯＰ”。

c-015　雨に濡れたてーるーと比嘉さんを覗き見る安慶名さん。ここからのカットは本作のラブコメ要素を立て続けに盛り込みました。
c-016　前カットの切り返しに喜屋武さんヒョッコリＩＮ。真円の虹は出﨑（統）監督『家なき子』の影響でしょうか？
c-017　指ハート“デデンデンデン♪”の安慶名さん。中なしポンでハートを大きく～戻す際コマ打ち、作画１枚を拡大・縮小撮影——曲リズム合わせで、こちらもダンスの振り付け。
c-018　コンテと共に“残し”を効かせた指の動きを細かく指示しました。同じく振り付けカット。
c-019　かき氷を食べる喜屋武・てーるー・比嘉。比嘉さんを視認するには尺が短過ぎ？　でも、音楽に合わせるとこの位が気持ち良かったので、スミマセン。
　以上c-015～019は塩澤（枢）さん他で原画、作監・篠衿花さん。篠さんは『沖ツラ』との相性が抜群で、視聴者の方々が“可愛い”と指差す比嘉さんは篠作監率高いです。#02冒頭とＣパートや#05冒頭教室シーンなど、篠上りはほぼ板垣の手は入っていないし、それほど密な打ち合わせ・注文を出さなくても、大概間違いのないモノが上がってきます！
c-020　女子3人のスカート～足。コピペ増殖で費用対効果優先。こちらももちろん振り付けで、原画は市川真琴さんで作監修はなし。市川さんは不思議な画力で、キャラはあまり似せてこないのですが、身体のデッサン、手～指は巧くて、さらに俺のラフを淡々と原画にしてくれたりと、個人的には大変助けられてて、『沖ツラ』本編でも“困ったら市川さん”です。
c-021　同じく女子３人、こちらもダンス振り付けで市川原画ですが、前述のような理由でキャラは篠作監修正が入っています。
c-022　エイサー祭りの一同。こちらもそれぞれ一連＋カメラワークで振り付けになるようにしています。後、こちらの“チョンダラー喜屋武さん”、委員会のコンテ・チェックで「オープニングは嘘でもメイクなしにしないと、喜屋武さんと分からないのでは～」と言ってきたのですが「そんな嘘ついたら原作と沖縄に申し訳ないでしょう！　これは喜屋武さんのもう一つの顔です！」と返して現状。

　で、また短くてすみません。最終話の納品が終わり次第、もう少し落ち着いて制作話書きます（汗）。また来週で……。

本日は、じっくり時間をとって書（描）けると思ったのですが、予定外の面談が入って……！

　現状は毎週の納品合わせで、以下。申し訳なくてごめんなさい。また来週、ということで……。

　腹巻猫です。サウンドトラック・アルバムがＣＤで発売されることが少なくなり、配信のみでリリースされることが増えてきました。そこで困るのが「知らないうちにリリースされていた」という場合がよくあること。特にＴＶアニメのサントラが放映終了後、しばらくしてからリリースされると、ネットニュースにも取り上げられず、気がつかないことがあるのです。
　今回取り上げる作品もそのひとつ。ＴＶアニメ『しかのこのこのここしたんたん』です。「サントラ出ないのかな」と思っていたら、放送終了後１ヵ月以上経ってからリリース。しばらくしてから気づきました。「出るなら早く教えてよー！」。いや、うれしいけど。

　『しかのこのこのここしたんたん』は2024年７月から９月まで放映されたＴＶアニメ。おしおしおによる同名マンガを原作に、監督・太田雅彦、アニメーション制作・WIT STUDIOのスタッフで映像化された。
　元ヤンであることを隠して生徒会長を務める女子高生・虎視虎子（こしたん）は、ある日、電線に引っかかっている少女に遭遇し、助けてやる。虎子が助けた少女は頭にシカの角が生えた鹿乃子のこ（のこたん）だった。虎子の高校に転校してきたのこは、シカ部を創設。虎子を部長に、自身はシカ部所属のシカとして活動を始める。シカ部には虎子の妹・餡子、のこにあこがれる新入生・馬車芽めめなど、個性の強いメンバーが集まり、虎子の人生をかき乱していく。
　インパクト抜群のギャグアニメである。原作を未読だった筆者は、タイトルに惹かれて第１話を観てドハマリしてしまった。シュールでアバンギャルドでカオス。１秒先も予測できない展開と爆発力のあるギャグにただ笑うしかない。しかし、こういう作品大好きなのだ。
　本作は放映開始前からネットで話題となり、オープニング主題歌のイントロ耐久動画が公開１ヵ月で500万再生を超えるなど、人気が上昇していった。12月に発表された「TikTokトレンド大賞2024」では「しかのこのこのここしたんたん」がホットワード部門を受賞。2024年を騒がせた作品のひとつなのである。

　音楽を担当したのは、アニメ『みなみけ』『ヒナまつり』『ビックリメン』などの音楽を手がける三澤康広。本作の監督・太田雅彦とは、『みなみけ』をはじめ、多くの作品でコンビを組んでいる。ちなみに筆者は『ヒナまつり』のサウンドトラックの仕事で三澤康広にインタビューする機会があった。ご本人は、ジョン・ウィリアムズやジェイムズ・ホーナーといった正統派の映画音楽作曲家が好きという映画音楽ファン。そういう作家がテンポの速いギャグアニメの音楽を手がけるところに妙味がある。「セリフのじゃまをしない」といった映像音楽の作法を守りつつ、遊び心のある、映像を生かす音楽を提供している。
　ギャグアニメの音楽は、大きく分けるとふたつのアプローチが考えられる。ギャグをやっていても音楽はふつうというパターンと、音楽もはちゃめちゃというパターンである。実際にはどちらかに特化することはあまりなく、両者がバランスよくブレンドされていることが多い。本作の場合も、日常を描写するのんびりした曲もあれば、ギャグを強調するはじけた曲やパロディ的な曲もある。しかし、それだけにとどまらないのが本作の工夫である。
　たとえば第１話の冒頭シーン。虎子が初めて登場する場面には少女アニメっぽい華やかな曲（「ここは乙女の園（共学）」）が流れるが、その虎子を見つめるシカが現れるや、男声コーラスが「シカ！シカシカシカ！」と歌う変な曲（「シカ！シカシカシカ！シカ！！！」）が流れて、一気に世界をシュールな空気で満たしてしまう。
　この「シカ」の２文字を歌うコーラス入りの曲が、本作の音楽の最大の特徴と言ってよいだろう。男声または女声コーラスによって、ときには「シーカー」と長く、ときには「シカシカシカ」とくり返して、「シカ」のフレーズが歌われる。日常曲でもなく、ギャグを強調する曲でもなく、作品世界を俯瞰する「天の声」のような、不思議な音楽である。
　本作には劇伴におけるメインテーマ——作品を象徴する曲はないが、代わりに「シカ」のコーラス曲がその役割を果たしている。「ターミネーター」で「ダダンダンダダン」というリズムが作品とターミネーターのキャラクターを象徴するモチーフになっているように、本作ではさまざまに変形されて登場する「シカ」のフレーズが、作品を象徴するモチーフとして機能しているのだ。
　「シカのアニメだから劇伴にも“シカ”のコーラスを入れよう」という発想も面白いが、それを具体化してしまうところが、もっと面白い。
　なお、三澤康広のＸのポスト（投稿）によれば、女声コーラスは多くのサウンドトラック作品に参加している歌手のKOCHOが担当、男声コーラスは三澤自身が参加している。三澤は劇伴のすべての楽器の演奏も担当したそうで、それが音楽の絶妙な味わいを生み出していると想像できる。
　本作のサウンドトラック・アルバムは、2024年11月７日に「ＴＶアニメ『しかのこのこのここしたんたん』オリジナルサウンドトラック」のタイトルで配信開始された。レーベルは本作のプロデュース・製作を担当したツインエンジン。ＣＤでの発売はない。
　収録曲は以下のとおり。

1. ここは乙女の園（共学）
2. シカ！シカシカシカ！シカ！！！
3. シーーーカーーー♪
4. 噂のパーフェクトGIRL
5. 元ヤンであること
6. 今日、この日までは…
7. Girl Meets SHI-KA
8. ヌ〜ン…
9. のつ！鹿乃子のこです！
10. シカッ♪シカッ♪
11. 暗ガール
12. 第１回日野南高校チキチキ虎視虎子王決定戦！
13. やだ…こしたんてば【ハート】
14. ん？は？
15. 特別にツノをあげよう
16. ツノが生えてる女の子なんて
17. ぎゃああああああああああっ！
18. シカー♪シカー♪シカー♪（陽）
19. だって、こしたんと一緒だし！
20. シカ部っていったいなんです！？
21. よろしくぬん！
22. シカ！シカシカシカ！シカ？？？
23. ここは戦場だぞ！！
24. かかって来いやぁっ！！
25. あれは罠だ！！
26. おねぇちゃぁん【ハート】
27. なんでそうなる〜〜〜？？？
28. 主よ御許に鹿づかん
29. 私たち、良い友達になれそうじゃない？
30. こうなったら武力行使だ！
31. なんなのーッ！
32. 家族になろうよ、日野で（歌：鹿乃子のこ［ＣＶ：潘めぐみ］）
33. 古き言い伝えはまことであった…（Cervus）
34. シカー♪シカー♪シカー♪（陰）
35. つちのこのこのこのこたんたん
36. シカコレ
37. 鹿乃子が見せた幻影だというのか……！？
38. 喫茶ツバメ
39. 日野になぜシカ！？
40. 鹿神神社
41. はんにゃ〜ほんにゃらふんにゃ〜シカシカ
42. ソイヤ
43. のーこたん♪こーっちこい♪
44. なんだこの空気は！？
45. 花が…生きている…！
46. 伝説のマタギ
47. TOSOKAISHI
48. それが…シカの穴！！
49. まさか日野市で会えるなんて
50. 頂上対決
51. 野生のシカ（歌：虎視虎子［ＣＶ：藤田咲］）

　全51曲。総演奏時間は約70分。10秒前後の短い曲もたくさん収録されているのがうれしいところ。劇中で印象的な楽曲はほぼ網羅されている。
　曲順はおおむねストーリーの流れに沿っている。
　トラック１〜10までは第１話で使用された曲。制服姿の虎子が登場するシーンに流れる「ここは乙女の園（共学）」（トラック１）、虎子を見つめるシカを不穏に描写する「シカ！シカシカシカ！シカ！！！」（トラック２）、サブタイトル曲「シーーーカーーー♪」（トラック３）の３曲がいわば導入部。「シカ」のコーラス曲がさっそく２曲出てくるのが強烈だ。
　続いて愛らしい曲調の「噂のパーフェクトGIRL」（トラック４）と歪んだエレキギターによる「元ヤンであること」（トラック５）の２曲で、元ヤン虎子の２つの顔を描写。「元ヤンであること」は一発ギャグのような短い曲だが、虎子が感情をあらわにする場面などで効果的に使われている。
　ミステリアスな「今日、この日までは…」（トラック６）、トラブル発生！　という雰囲気の「Girl Meets SHI-KA」（トラック７）、とぼけた「ヌ〜ン…」（トラック８）の３曲は、第１話の虎子とのこたんの出会いのシーンに流れた。変拍子を使った「Girl Meets SHI-KA」は『スパイ大作戦』みたいな緊張感のある軽快な曲。「ヌ〜ン…」は日常描写によく使われた曲で、木管とパーカッションのアンサンブルが微妙な空気感を表現している。トラック15「特別にツノをあげよう」、トラック21「よろしくぬん！」なども「ヌ〜ン…」と同じ系統の曲だ。こういう曲をバックにのこたんの奇妙な日常が描かれ、虎子が突っ込むのがおなじみのパターンだった。
　男声コーラスが「シーカ」とくり返す「のつ！鹿乃子のこです！」（トラック９）は、のこたんが転校生として教室に入ってくる場面で使用。のこたんのテーマというわけでもなく、「シカあらわる！」といった緊張感のあるシーンによく選曲されていた。「シカッ♪シカッ♪」（トラック10）は女声コーラスによるアイキャッチ曲。
　ここまでが主人公２人が出会い、物語が動き出す序盤パート。「シカ」のコーラス曲やとぼけた日常曲、パロディ風の曲など、本作の音楽の特徴（面白さ）がすでによく表れているし、本編のテンポ感も再現されている。
　トラック11〜21は第２話と第３話で使用された曲を中心にした構成。
　姉が好きなあまり闇落ちしてしまう虎子の妹・餡子のテーマ「暗ガール」（トラック11）、メロドラマ風の「やだ…こしたんてば【ハート】」（トラック13）、シリアスな曲調の悲しみの曲「ツノが生えてる女の子なんて」（トラック16）などが面白い。
　「シカー♪シカー♪シカー♪（陽）」（トラック18）は毎回のように使われた女声コーラスの曲。のこたんの突拍子もない行動やのこたんに振り回される虎子の場面などにアクセントを付けるように流れて、なんともいえない面白みをかもしだしている。サブタイトル曲やアイキャッチ曲と並んで印象深く、「『しかのこ』の劇伴といえばこの１曲」みたいな代表曲のひとつである。
　軽快な「シカ部っていったいなんです！？」（トラック20）と脱力系の「よろしくぬん！」（トラック21）も使用頻度の高い日常曲。ここまでで、餡子と馬車芽めめがシカ部に参加し、主要キャラクターがそろったイメージだ。
　トラック22〜31までは、シカ部をめぐるドタバタをイメージした選曲になっている。
　「ここは戦場だぞ！！」（トラック23）、「かかって来いやぁっ！！」（トラック24）、「あれは罠だ！！」（トラック25）の３曲はアクション映画風の緊迫感のある曲。第２話でのこたんが謎の敵に襲撃されるシーンや第５話のシカ部の特訓シーンなどに流れていた。トラック30の「こうなったら武力行使だ！」も同じ系統の曲で、こちらは第３話で虎子が水の入ったペットボトルを並べてシカを威嚇する場面に使用。曲だけだと面白さが伝わらないが、映像との相乗効果で破壊力を発揮する曲である。
　本作には特定のシーンを想定して書かれたと思われる曲もいくつかある。
　讃美歌風の「主よ御許に鹿づかん」（トラック28）はそのひとつで、第２話でシカの天使がのこたんを迎えに天から降りてくるイメージシーンに流れた。
　のこたんが歌う挿入歌「家族になろうよ、日野で」（トラック32）も第４話のみで使用された曲。突然画面がカラオケ映像風になってのこたんの歌が流れるシーンはなかなかシュールだった。
　トラック32以降は、こうした使用場面が限られた曲が多く収録されている。その曲調は多彩で、バラエティに富んでいるとも言えるし、カオス度が増しているとも言える。回を追うごとにギャグもパワーアップしていく本作らしい構成である。
　トラック33「古き言い伝えはまことであった…（Cervus）」は第５話のシカの大名行列の場面で老婆（犬養ミツ）がつぶやく言葉をタイトルにした曲。『風の谷のナウシカ』のパロディなのだが、曲は『ナウシカ』に雰囲気を寄せつつ、まったく違うものになっているのがすごい。「Cervus」はシカを意味するラテン語である。
　トラック34「シカー♪シカー♪シカー♪（陰）」とトラック35「つちのこのこのこのこたんたん」は謎の生物「つちのこ」が登場する第６話で使用。「つちのこのこのこのこたんたん」は「Girl Meets SHI-KA」（トラック７）と同系統の曲で、つちのこの摩訶不思議な生態を変拍子を使って表現している。
　トラック36「シカコレ」とトラック37「鹿乃子が見せた幻影だというのか……！？」は第７話のシカコレクションのエピソードで使用。次の「喫茶ツバメ」（トラック38）と「日野になぜシカ！？」（トラック39）は同じく第７話の後半の「喫茶ツバメ」のエピソードで使用された。テクノ風、ウィンナワルツ風、ジャズ風とさまざまな曲調が楽しめる。　第８話の新年の鹿神神社のシーンで流れた「鹿神神社」（トラック40）と「はんにゃ〜ほんにゃらふんにゃ〜シカシカ」（トラック41）、第９話の体育祭のエピソードで使われた「ソイヤ」（トラック42）と「のーこたん♪こーっちこい♪」（トラック43）、第10話の華道部のエピソードを彩る「なんだこの空気は！？」（トラック44）と「花が…生きている…！」（トラック45）。爆笑を誘うシュールな場面の曲が続く。
　いよいよ終盤は、最終２話で使用された曲である。
　トラック46「伝説のマタギ」とトラック47「TOSOKAISHI」は、伝説のマタギとのこたんとの死闘を描く第11話で使われた。和風マカロニウエスタン風の「伝説のマタギ」に、追う者と追われる者の対決を描写する「TOSOKAISHI」で緊迫感が盛り上がる。
　最終回（第12話）、秘密機関「シカの穴」が登場する場面で流れた「それが…シカの穴！！」（トラック48）も緊迫感のある曲。曲の後半に聴こえてくる「シカ、シカ」の男声コーラスが「シカの穴」の不気味さを強調する。いったい、このお話はどこへ向かっていくのか？
　クライマックスは、シカ系ゆるキャラとのこたんとの対決だ。トラック49「まさか日野市で会えるなんて」は、北海道のゆるキャラ、キュンちゃんがシカ部にやってくる場面で使われた。キュンちゃんのキャラに合わせた、ほのぼのした曲である。
　のこたん最後の活躍は、奈良県のマスコットキャラクター、せんとくんとの対決。トラック50「頂上対決」は、タイトルどおり、のこたんとせんとくんの対決場面に流れたマーチ風の曲。プロレス中継などでおなじみの「スポーツ行進曲」を思わせる曲調が楽しい。なお、せんとくん入場シーンに流れた曲は、せんとくんの公式テーマソング「せんとくんなら知っている」である。
　ラストに収録された「野生のシカ」（トラック51）は虎子が歌う挿入歌（イメージは「アイ・オブ・ザ・タイガー」か？）。第12話で虎子がのこたんを特訓するシーンに流れたほか、第12話のエンディングテーマとしても使用されている。本アルバムには主題歌は収録されていないが、最終回を締めくくった曲をラストに収録することで、アルバムがまとまった。

　以上、駆け足でサウンドトラック・アルバムを紹介したが、序盤、中盤、終盤と雰囲気を変えて作品イメージを再現した、巧みな構成だと思う。音楽自体もいい。印象的なエピソードやシーンに印象的な曲がつけられているのが、本作の強みであり魅力だ。多彩なアイデアを盛り込んだ音楽がシーンの面白さを何倍にもパワーアップし、同時に、音楽を聴くと名（迷）場面が思い浮かぶ。
　そして、耳に残るのはやはり、さまざまな形で歌われる「シカ」のコーラス曲である。本作の音楽イメージと世界観を決定づけているのは「シカ」のフレーズ。「シカ」が世界を作っているのだ。

ＴＶアニメ『しかのこのこのここしたんたん』オリジナルサウンドトラック
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前々回話題にした“作画プロデューサー”という役職は、自分が作った新しい仕事です！

　聞いてください。最近でもまだ俺宛てに大手アニメ会社から「作画監督の仕事をお願いしたいのですが～」との電話が掛かってくるんですよ！　「原画は海外も含めれば何とか撒ける！　ただし、それを修正してくれる巧い作監さえいれば！」と。その他、知り合いの業界人からも「ミルパンセで作監お願いできる人いませんか？」とも。
　大手制作会社に限って何本も“良い仕事”を受けるだけ受けて独り占めする癖に、作監とかを俺なんかに振ってくるんです。業界全体の人手不足が囁かれるようになって久しい昨今、いまだに半分以上を外撒き（外注）して制作するのがアニメだとでも思っているのでしょうか？
　ハッキリ言います。

内製できない仕事を受けるのはもうやめません、大手制作会社さん？

　と言う訳で、作監に限らず作画スタッフの人材不足をどう解決するか？　今いる社員スタッフの能力（スキル）を適材適所に巧くパズルして、作画工程の交通整理をし、できるだけ全体の半分のカットは“テイク１”で一発ＯＫにする。半分を効率よく作る代わりに、高難易度なカットはアドバイスと軽いラフを与えて描いた本人にテイク２・テイク３とテイクを重ねて完成に近づけて行く。早い話作監修正が入っていなくても“見れるカット”に仕上げればいい訳で、どんな手を使っても！
　スタッフ指導のために必要なラフやアタリを入れたり、カットによっては社内の別の人で作監を手配し、場合によっては自ら作監修正も入れる——それが総作画監督ではない、作画プロデューサーです。

　で、もっと詳しく説明しようと思っていたところで、時間！　仕事に戻らせていただきます（汗）！